Elton John
Elton John s’est révélé dès son plus jeune âge comme un prodige de la musique, obtenant une bourse d’études à la Royal Academy of Music à l’âge de 11 ans. À la fin des années 1960, il entame une carrière illustre, marquée notamment par le succès de son album de 1970 incluant le titre « Your Song ». Reconnu pour sa présence scénique flamboyante et son style extravagant, Elton John est devenu une icône culturelle et musicale, accumulant de nombreuses récompenses, parmi lesquelles plusieurs Grammy Awards, un Tony, un Oscar, ainsi qu’un titre de chevalier en reconnaissance de ses contributions musicales et caritatives. Son activisme, notamment par le biais de l’Elton John AIDS Foundation, a eu des retombées majeures dans la recherche sur le sida et la défense des droits LGBTQ+. Ouvert sur ses luttes personnelles et son parcours de désintoxication, John fait preuve d’une résilience et d’une influence qui dépassent le cadre musical pour toucher à la mode, à l’art et au mentorat. Détenteur du record de l’artiste solo le plus titré de l’histoire du Billboard américain ainsi que de celui du single le plus vendu avec « Candle in the Wind (1997) », son héritage demeure inégalé.
John est également connu comme un collectionneur passionné, particulièrement de photographie, et une partie de sa collection a récemment été proposée à la vente chez Christie’s. Une grande part de sa collection se caractérise par son exubérance et son ancrage profond dans la culture queer, embrassant un mélange éclectique d’œuvres, de pièces de mode et de souvenirs reflétant son style personnel et son soutien indéfectible à la création. Sa collection, qui comprend également des costumes de scène et des articles de mode, brouille les frontières entre mode et art. La collection d’œuvres d’art de John présente des créations d’icônes contemporaines et du XXe siècle telles que Nan Goldin, Tracey Emin, Keith Haring, Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat, mettant en lumière des thématiques liées à l’amour, à la sexualité et à l’identité. Par ailleurs, l’intérêt marqué de John pour la photographie a conduit à la création de la Sir Elton John and David Furnish Photography Collection, l’une des plus importantes collections privées de photographie au monde. Son rôle de collectionneur prolonge son identité d’artiste et d’activiste, témoignant d’un héritage d’ouverture et de soutien aux arts créatifs ainsi qu’à la communauté LGBTQ+, faisant de ses collections une représentation vibrante de sa vie et des causes qu’il défend. S’il est possible que d’autres pièces soient en sa possession, il est avéré que John possède la sculpture de 1992 de Lichtenstein intitulée « Ritual Mask », qui occupe une place de choix dans le salon de sa demeure de Nice, en France.
Steve Martin
L'acteur et humoriste salué par la critique Steve Martin est reconnu pour ses talents d'humoriste, d'acteur, d'écrivain, de producteur et de musicien. Son génie comique a été remarqué très tôt lorsqu'il était auteur pour le « Smothers Brothers Comedy Hour » ; il fut également un animateur régulier du « Saturday Night Live ». Ses spectacles de stand-up dans les années 1970 lui ont ouvert la voie à une brillante carrière cinématographique, notamment dans les franchises « Treize à la douzaine » et « Le Père de la mariée ». Fort d'une carrière jalonnée de récompenses — dont cinq Grammy Awards, un Primetime Emmy Award et un Oscar d'honneur reçu en 2013 — Martin s'est également imposé comme un fin connaisseur, participant activement à la scène artistique mondiale. Au-delà de sa carrière dans le divertissement, l'engagement de Martin en tant que collectionneur témoigne de sa personnalité aux multiples facettes et de sa profonde appréciation des arts.
Martin était en réalité une connaissance personnelle de l'artiste, bien qu'il reste très discret sur certains aspects de sa collection. Il est toutefois établi qu'il fut le propriétaire de l'œuvre « Ohhh...Alright… » au début des années 2000, laquelle est devenue l'une des œuvres les plus précieuses de Lichtenstein lorsqu'elle a été adjugée pour 38 millions de dollars une décennie plus tard.
Laurence Graff
Laurence Graff, fondateur de Graff Diamonds en 1960, a exercé une influence majeure sur l'industrie de la joaillerie, lui valant le surnom de « roi du diamant ». Son entreprise s'engage en faveur d'un approvisionnement éthique, en adhérant au processus de Kimberley afin d'exclure les diamants de conflit. Débutant sa carrière à 15 ans comme apprenti dans l'est de Londres, Graff a rapidement gravi les échelons pour posséder deux boutiques de joaillerie à Hatton Garden dès le début des années 1960. Son intérêt pour l'art a profondément marqué sa philosophie de collectionneur et de créateur. La collection de Graff, autrefois centrée sur les œuvres impressionnistes, s'enorgueillit aujourd'hui de pièces majeures d'artistes modernes tels qu'Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat, reflétant l'évolution de ses goûts. Sa collection comprend désormais des œuvres significatives, illustrées par ses acquisitions stratégiques, à l'instar de la retaille controversée du diamant Wittelsbach-Graff ou de l'achat réfléchi d'une œuvre majeure chaque année. L'intérêt de Graff pour l'art dépasse le cadre de la collection ; son bureau expose des pièces remarquables, notamment une sculpture grandeur nature de Kate Moss et des œuvres de jeunes artistes, soulignant son engagement profond auprès du monde de l'art parallèlement à son empire diamantaire. Cette passion pour l'art a directement inspiré les créations de Graff Diamonds, notamment la collection « Art Inspired », qui puise dans le style calligraphique de Cy Twombly, les découpes géométriques de Kazimir Malevich et les œuvres monochromes de Paolo Scheggi. En 2013, les contributions de Graff ont été saluées par l'ordre de l'Empire britannique, consacrant son double héritage dans le monde de la haute joaillerie et du collectionnisme.
Pour son 75e anniversaire, il a fait l'acquisition de l'œuvre de Lichtenstein, Woman with Flowered Hat, pour 56,1 millions de dollars, frais inclus, lors d'une vente aux enchères chez Christie's en 2013. Durant cette vente, Graff a su surpasser ses concurrents, dont trois enchérisseurs par téléphone, pour s'offrir cette pièce de Lichtenstein — une interprétation pop art d'un chef-d'œuvre de Picasso.
Steve Cohen
Depuis leurs débuts dans la constitution de leur collection en 2000, le légendaire (bien que controversé) trader Cohen, renommé pour sa passion fervente pour l'art, et son épouse Alexandra ont investi plus d'un milliard de dollars dans un ensemble vaste et prestigieux, réunissant des artistes éminents tels que Willem de Kooning, Andy Warhol, Pablo Picasso, Jasper Johns, Jeff Koons et Jackson Pollock. Cette collection, entreposée et renouvelée trimestriellement au sein des bureaux mondiaux de Point72, est si intrinsèquement liée à l'espace de travail qu'il n'est pas rare que les employés interagissent avec les œuvres de manière fortuite. Saluée par Larry Gagosian pour son envergure digne d'un musée, cette collection reflète l'engagement profond de Cohen envers l'art ; ce dernier affirme que sa stratégie d'acquisition se concentre sur des pièces qui résonnent personnellement en lui, incluant des œuvres d'artistes aussi bien célèbres qu'émergents. Sa démarche, caractérisée par des visites personnelles dans les ateliers d'artistes et une préférence pour la découverte plutôt que pour le gain financier, souligne un dévouement profond à l'œuvre elle-même, par opposition à son potentiel en tant qu'investissement.
Notons qu'en 2015, Cohen a été identifié comme l'acquéreur de « L’Homme au doigt » d'Alberto Giacometti, l'une des pièces les plus onéreuses du marché des enchères. Leur collection s'enorgueillit également de la célèbre œuvre de Damien Hirst « The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living », mettant en scène un requin dans du formaldéhyde. Au-delà de l'accumulation d'œuvres, les Cohen ont généreusement soutenu diverses institutions, notamment le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art, contribuant à hauteur de 50 millions de dollars à l'agrandissement de ce dernier. Leur implication dans le monde de l'art passe également par la vente de pièces majeures, telle qu'une peinture « Mao » de Warhol cédée pour plus de 47 millions de dollars chez Sotheby's, ce qui témoigne d'une approche dynamique de leur collection. En 2017, il a fait la une des journaux avec l'acquisition de la peinture « Masterpiece » de Lichtenstein pour 165 millions de dollars, la positionnant parmi les dix peintures les plus chères jamais vendues. Cet achat notable a été rapporté initialement par le New York Times, soulignant le statut éminent de Cohen dans le monde du collectionnisme et sa volonté d'investir des sommes substantielles dans des œuvres de haute valeur.
Agnes Gund
Agnes Gund est une philanthrope, mécène et figure éminente de la défense de l'éducation artistique et de la justice sociale aux États-Unis. Elle a apporté une contribution majeure au paysage artistique en tant que présidente émérite et administratrice à vie du Museum of Modern Art (MoMA), présidente de son Conseil international et membre du conseil d'administration du MoMA PS1. En réponse aux coupes budgétaires drastiques dans l'enseignement artistique au sein des écoles publiques de New York lors de la crise financière de 1977, Gund a fondé Studio in a School, une organisation à but non lucratif qui permet à des artistes professionnels d'intervenir dans les écoles pour enseigner diverses formes d'expression artistique. L'engagement philanthropique de Gund dépasse le cadre des arts pour toucher à l'éducation, aux droits des femmes et aux enjeux environnementaux. Elle a reçu de nombreuses distinctions pour son action, notamment la National Medal of Arts décernée par le président Bill Clinton en 1997, la J. Paul Getty Medal en 2018 et le « Justice Ruth Bader Ginsburg Woman of Leadership Award » en 2020.
Son dévouement pour les arts s'illustre également à travers son importante collection d'art moderne et contemporain, allant de maîtres modernes comme Jasper Johns et Roy Lichtenstein à des artistes contemporains tels que Kara Walker et Glenn Ligon. En 2017, Gund a vendu l'œuvre de Lichtenstein précédemment citée, « Masterpiece », afin de financer l'Art for Justice Fund, destiné à soutenir la réforme du système judiciaire pénal et à réduire l'incarcération de masse aux États-Unis, une démarche inspirée par sa préoccupation pour ses petits-enfants et l'impact des problèmes raciaux systémiques. En 2022, elle a vendu « Mirror #5 » de Lichtenstein à un acheteur anonyme en novembre pour plus de 3,1 millions de dollars chez Christie's ; les bénéfices ont été partiellement reversés au Groundswell Fund, une organisation à but non lucratif militant pour les droits reproductifs. L'héritage de Gund est marqué par sa générosité et sa volonté d'utiliser l'art comme catalyseur de changement social, nombre de ses œuvres de valeur ayant été promises sous forme de dons à diverses institutions.
