Self-Portraits d'artistes urbains et contemporains

Généralement plus à l'aise lorsqu'il immortalisait des célébrités, les autoportraits d'Andy Warhol révèlent les luttes personnelles de l'artiste avec sa propre identité. Le Self Portrait de Warhol datant de 1966 est une œuvre inhabituelle et provocatrice, non seulement parce que Warhol en est le sujet, mais aussi parce qu'il n'y a aucune couleur dans le portrait.

Contrairement à l'éclat typique du Pop Art qu'il utilisait pour capturer ses « Superstars », Warhol se représente en noir et blanc uni. Bien qu'il ait transformé cet autoportrait en estampes colorées répétées ultérieurement, cette lithographie initiale est peut-être un cas où Warhol apparaît le plus humain.

Contra Warhol et Banksy, qui sont peut-être plus réticents ou hésitants à s'exposer dans leurs œuvres, la majorité de l'œuvre de Tracey Emin s'inspire de ses propres expériences de vie. Son travail autobiographique offre aux spectateurs un aperçu émouvant et intensément personnel de son univers.

Son autoportrait le plus célèbre est peut-être My Bed (1998), dans lequel Emin a exposé le lit où elle avait traversé une phase dépressive de sa vie — avec des bouteilles d'alcool vides et des préservatifs usagés. La présentation de cette œuvre au Turner Prize en 1999 n'était pas seulement conceptuellement novatrice, mais courageuse, car elle montrait au monde la manifestation physique de ses traumatismes émotionnels. Emin n'a jamais eu peur de transformer sa personne et ses expériences en art.

De plus, l'autoportrait de l'artiste YBA, I’ve Got It All, la montre en train de balayer de l'argent et de ramasser des pièces et des billets vers son entrejambe. Comme toute son œuvre autoréférentielle, cet autoportrait Polaroid montre qu'Emin n'hésite pas à satiriser son propre ego pour souligner les expériences et les émotions que nous ressentons tous, mais que nous aurions trop honte d'avouer.

Maître du Néo-Pop et des animaux en ballons, Jeff Koons est un artiste qui aime injecter sa touche kitsch dans la culture populaire. Lorsque Koons a mis ses talents de sculpteur au service de son propre portrait, il a créé un autoportrait en trois dimensions qui idéalisait son apparence dans le marbre, à la manière d'un dieu grec.

Cet autoportrait témoigne de la puissance de l'ego de l'artiste, car Koons immortalise son portrait séduisant émergeant comme par magie de la formation rocheuse inférieure. Créé pour sa série Made in Heaven, ce buste sculpté fait partie d'un ensemble d'œuvres qui magnifient l'artiste, où Koons s'idéalise non pas comme un homme, mais comme un artiste d'envergure divine.

Pionnier de l'art moderne britannique, David Hockney est un autre artiste qui est revenu à son autoportrait tout au long de sa carrière. Cette lithographie de 1980 n'est qu'un des quelque 300 autoportraits que Hockney a réalisés au fil des ans dans une myriade de médiums.

Alors que Hockney choisit habituellement de se représenter avec son fidèle pinceau à la main, alors qu'il fixe attentivement le spectateur, cet autoportrait montre l'artiste regardant pensivement hors du cadre. Il y a une sincérité dans ce portrait qui n'est pas présente dans beaucoup d'autres autoportraits de Hockney, et il présente l'artiste dans un moment d'introspection plus intime.

Expressif et intense, l'artiste contemporain britannique Lucian Freud dépeint la chair et les visages humains avec un réalisme sans concession.

L’œuvre gravée de Freud de 1996, Self Portrait: Reflection, fut son premier autoportrait formel à être publié. En déposant généreusement de l’encre sur la palette de gravure, une approche probablement inspirée par sa technique picturale à l'empâtement, l'artiste crée des ombres tranchées et inquiétantes autour de son visage et de son cou. La texture de la gravure du fond sombre de cet autoportrait de face nous invite à examiner l'asymétrie de son visage vieillissant.

Moins égocentriques que les autoportraits de certains de ses contemporains, les Self-Portraits de Freud le capturent fidèlement et confèrent à son portrait une qualité immersive. Que ce soit en peinture ou en estampe, la maîtrise du clair-obscur et de la texture par Freud transforme ses Self-Portraits en images qui transmettent bien plus que ce qui est visible en surface.

Dans Autoportrait (1984), Jean-Michel Basquiat présente son visage comme un masque : dents découvertes, yeux rougeoyants et la couronne hérissée familière. Exécuté à l'acrylique et au bâton d'huile, cet autoportrait traduit la tension d'un corps observé et d'un esprit en mouvement tourmenté.

Façonné par ses premières visites au musée avec sa mère et ses années formatrices passées à écrire des graffitis à travers New York, Basquiat a fusionné le texte et l'image pour interroger la visibilité, la race et l'auteur artistique. Ses portraits, y compris cette œuvre, examinent ce que signifie être un artiste noir au sein d'un marché de l'art majoritairement blanc. Ici, la couronne fixe le regard du spectateur tout en détournant toute catégorisation facile ; l'assurance et la vulnérabilité coexistent, tandis que le moi est mis en scène comme un lieu de contestation – artiste et marchandise, sujet et symbole – rendu avec une clarté insolente et inconfortablement franche.

L'Yayoi Kusama, intitulée Self-portrait, Kusama 217 (1995), condense son image dans le langage même qui l'a rendue synonyme de répétition : une eau-forte finement travaillée où les traits émergent et se dissolvent au milieu de filets et de points naissants. Intime mais maîtrisé, ce portrait montre la ligne se transformant en motif, la ressemblance glissant vers l'infini, et l'artiste se fondant dans le système qui la définit. En exploitant ses motifs emblématiques, cet autoportrait devient une étude sobrement révélatrice de la manière dont Kusama se perçoit et se submerge elle-même.