Les 5 œuvres d'art les plus célèbres d'Andy Warhol

L'une des toutes premières œuvres d'Andy Warhol à connaître une reconnaissance internationale, le sujet ici est simple : l'humble boîte de Campbell’s Soup.

La série Campbell's Soup — composée de 32 toiles individuelles, chacune consacrée à une saveur différente proposée par la société — est essentiellement responsable d'avoir propulsé Warhol, ainsi que le mouvement Pop Art qu'il a fondé, vers la célébrité. Les saveurs de soupe représentées comprenaient la tomate, le cheddar, le bœuf, la soupe de palourdes (clam chowder), le pepper pot, et le ragoût d'huîtres (oyster stew).

Pourquoi la boîte de soupe ? Selon la légende, Warhol a choisi de créer une série d'œuvres centrées sur l'humble boîte de soupe Campbell’s en raison de sa force en tant que « marque » typiquement américaine — le branding étant une composante essentielle de l’œuvre de Warhol.

L'artiste a exploré le branding dans de nombreuses autres œuvres, notamment ses Green Coca-Cola Bottles (1962) et Brillo Boxes (1964), ainsi que dans ses collaborations ultérieures avec Jean-Michel Basquiat. Ces œuvres montraient Warhol réappropriant les logos des entreprises américaines Arm And Hammer et General Electric.

Faisant partie de l'iconographie du capitalisme, du consumérisme et de la classe ouvrière américaine, la boîte de soupe est également un clin d'œil aux humbles origines de Warhol à Pittsburgh — autrefois le centre de l'industrie sidérurgique américaine.

Les œuvres de Warhol inspirées de Marilyn Monroe ont vu le jour juste après le décès tragique de l'actrice en août 1962.

Réalisées à l'aide de la sérigraphie — l'une des 7 techniques qui allaient définir la carrière de Warhol — ces premières images comptent parmi les plus reconnaissables au monde.

À l'instar d'autres exemples du travail de Warhol, comme sa série de 1985 Ads, ces estampes font référence à l'obsession de longue date de l'artiste pour les iconographies de la consommation occidentale.

Exploitant le visage iconique de Monroe — elle était l'une des actrices les plus célèbres du monde à l'époque —, ces estampes vives et effervescentes sont une ode à la fois à la gloire et à la fortune, ainsi qu'à l'énergie juvénile d'une actrice morte trop jeune. L'image source pour cette série est une photo promotionnelle prise pour la promotion du film de Monroe de 1953, Niagara.

Décrite comme l'incarnation visuelle de « l'American Dream », l'image de Marilyn a ensuite été intégrée dans une œuvre grandeur nature intitulée The Marilyn Diptych (1962). Cette dernière ressemble étroitement aux peintures d'Elvis de Warhol, produites l'année suivante.

Dès 1964, Warhol est revenu au motif de Marilyn Monroe pour la série des *Shot Marilyns*. Celle-ci se compose de quatre toiles, chacune ornée de l'interprétation de la star par Warhol.

Cependant, les *Shot Marilyns* étaient un peu différentes : chaque toile a été atteinte d'une seule balle par l'artiste de performance Dorothy Podber.

En mai 2022, l'une des œuvres des *Shot Marilyn*, Shot Sage Blue Marilyn, s'est vendue 195 millions de dollars américains (158 millions de livres sterling) chez Christie's à New York, devenant ainsi l'œuvre d'art du XXe siècle la plus chère jamais vendue et un prix record pour l'artiste.

Autre œuvre instantanément reconnaissable de l’œuvre de Warhol, Banana (1966) est devenue mondialement célèbre en servant d’image de couverture pour l’album phare de rock expérimental du Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico (1967).

Les premières éditions de l’album présentaient une version de la banane à « peler et coller », qui, une fois retirée, révélait une banane rose vif non pelée en dessous.

Warhol, alors propriétaire et génie créatif de The Factory, le studio artistique devenu boîte de nuit de Manhattan, a joué un rôle déterminant dans le marketing du Velvet Underground, groupe composé des chanteurs Lou Reed et Nico, de l’instrumentiste gallois John Cale, du guitariste Sterling Morrison et de la batteuse Moe Tucker.

Ils se produisaient lors de l’Exploding Plastic Inevitable (EPI), une série d’événements organisée par Warhol en 1966-1967 qui comprenait des projections de ses films, ainsi que des performances musicales et de danse. Mais, malgré son statut légendaire aujourd’hui, l’album a d’abord eu de faibles résultats commerciaux.

Décrivant l’impact de The Velvet Underground & Nico, l’artiste et musicien Brian Eno a déclaré une fois : « Le premier album du Velvet Underground n’a vendu que 10 000 exemplaires. Mais tous ceux qui l’ont acheté ont formé un groupe ».

Allant de pair avec l'approche pionnière et expérimentale du Velvet Underground dans la création musicale, la Banana de Warhol est aujourd’hui synonyme de la scène culturelle florissante de New York à la fin des années 1960.

Produite après sa série emblématique Flower, la série Mao marque le retour de Warhol au portrait et compte parmi ses œuvres les plus célèbres.

Fruit de l’intérêt intense de Warhol pour la célébrité, cette série s’inspire à la fois de la visite historique de Richard Nixon en Chine en 1972 et d’un article paru dans le magazine Life la même année. Cet éditorial affirmait que le chef communiste chinois Mao Zedong était alors la personne « la plus célèbre » du monde.

Véritable méditation sur la politique, la reproductibilité et l’image, Warhol a choisi de baser sa série sur une photographie issue du Petit Livre Rouge de Mao — un recueil relié d’essais et d’aphorismes attribués au dirigeant, qui fut distribué dans toute la Chine durant la sanglante Révolution culturelle des années 1960 et 1970. À ce jour, plus d’un milliard d’exemplaires de ce « livre » ont été produits.

Dans la version de Warhol, le portrait « dessiné » de Mao est « rempli » d’une variété de couleurs vives, allant du vert et orange au bleu et jaune.

La technologie est au cœur de ces œuvres. À la fin des années 1960, Warhol a découvert la machine Photostat lors d'une visite à la School of Visual Arts de New York. Ce fut un moment décisif pour sa carrière, car cela lui permit de réaliser sur-le-champ des tirages photographiques d'images qu'il pouvait ensuite utiliser comme base pour ses créations Pop aux couleurs éclatantes.

En 1973, la première machine Xerox couleur — plus connue sous le nom de photocopieur — fut mise en vente. Warhol en acheta rapidement une et l'utilisa pour produire des centaines de copies de son image tracée. La reproduction mécanique des œuvres d'art devenait alors aussi simple que d'appuyer sur un bouton.

La série Mao a été dévoilée lors de l'exposition marquante de Warhol au Musée Galliera à Paris en 1974. Les murs de l'espace d'exposition étaient recouverts de motifs de Mao répétés, ce que Warhol appelait le « papier peint Mao ».

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Loin d'être le premier des autoportraits d'Andy Warhol, Self-Portrait (Fright Wig) (1986) est une autre de ses œuvres les plus célèbres.

Réalisée l'année précédant sa mort, cette pièce met en scène la perruque platine emblématique du créateur obsédé par son apparence — ou sa « perruque effrayante », comme il l'appelait.

Fixant profondément le regard du spectateur, Warhol attire notre attention à la fois sur son visage émacié et sur sa chevelure blanche et hirsute, dans ce qui est finalement une déclaration de défi : derrière son air déterminé se cache le désir d'exsuder une énergie et une décadence juvéniles, malgré la vieillesse, la mauvaise santé et une gloire déclinante.

Riche de la conscience de sa propre mortalité, l'œuvre rappelle sa série antérieure des Skulls : une memento mori pour l'ère contemporaine. Beaucoup décrivent l'œuvre comme un présage fantomatique de la mort — et d'une renommée durable.

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