Pour en savoir plus sur la valeur du marché des estampes de Warhol aujourd'hui, consultez notre Rapport 2023 sur les estampes du Pop Art américain ici.
« Campbell's Soup Cans » (1961-1962)
L'une des toutes premières œuvres d'Andy Warhol à avoir acquis une renommée internationale, le sujet ici est d'une simplicité désarmante : l'humble boîte de Campbell’s Soup.
La série Campbell's Soup — composée de 32 toiles individuelles, chacune consacrée à une saveur différente proposée par l'entreprise — est essentiellement responsable de l'ascension fulgurante d'Andy Warhol, et du mouvement Pop Art dont il fut le fondateur, vers le vedettariat. Les parfums de soupe représentés incluaient la tomate, le cheddar, le bœuf, la soupe aux palourdes, le pepper pot et le ragoût d'huîtres.
Pourquoi la boîte de soupe ? Selon l'anecdote, Andy Warhol a choisi de réaliser une série d'œuvres centrées sur l'humble boîte de soupe Campbell’s en raison de sa force en tant que « marque » typiquement américaine — le branding étant une composante essentielle de l'œuvre d'Andy Warhol.
L'artiste a exploré le branding dans de nombreuses autres créations, notamment ses « Brillo Boxes » (1964) et ses Green Coca-Cola Bottles (1962), ainsi que dans ses collaborations ultérieures avec Jean-Michel Basquiat. Ces œuvres ont vu Andy Warhol se réapproprier les logos des entreprises américaines Arm And Hammer et General Electric.
Faisant partie de l'iconographie du capitalisme, du consumérisme et de la classe ouvrière américaine, la boîte de soupe est également un clin d'œil aux origines modestes d'Andy Warhol à Pittsburgh, autrefois centre de l'industrie sidérurgique américaine.
« Marilyn Monroe » (1964)
Les œuvres inspirées de la Marilyn Monroe de Warhol ont vu le jour juste après la mort tragique de l'actrice en août 1962.
Réalisées à l'aide de la sérigraphie — l'une des 7 techniques qui allaient définir la carrière de l'artiste — ces premières images comptent parmi les plus reconnaissables au monde.
Tout comme d'autres exemples du travail de Warhol, telle que sa série Ads de 1985, ces estampes témoignent de l'obsession de longue date de l'artiste pour l'iconographie du consumérisme occidental.
Capitalisant sur le visage iconique de Monroe — qui était alors l'une des actrices les plus célèbres au monde — ces estampes vives et effervescentes sont un hommage à la fois à la gloire et à la fortune, ainsi qu'à l'énergie juvénile d'une actrice disparue tragiquement trop tôt. L'image source de la série est une photographie publicitaire réalisée pour le film Niagara, sorti en 1953.
Décrite comme l'incarnation visuelle du « rêve américain », l'image de Marilyn fut intégrée plus tard dans une œuvre grand format intitulée The Marilyn Diptych (1962). Celle-ci présente une forte ressemblance avec les peintures d'Elvis de Warhol, réalisées l'année suivante.
En 1964, Warhol revient au motif de Marilyn Monroe pour la série Shot Marilyns. Celle-ci se compose de quatre toiles, présentant chacune l'interprétation de la star de l'écran par Warhol.
Cependant, les Shot Marilyns se distinguaient par une particularité : chaque toile a été perforée d'une balle unique par l'artiste de performance Dorothy Podber.
En mai 2022, l'une des œuvres de la série Shot Marilyn, Shot Sage Blue Marilyn, a été adjugée 195 millions de dollars (158 millions de livres sterling) chez Christie’s New York, devenant ainsi l'œuvre du XXe siècle la plus chère jamais vendue et établissant un prix record pour l'artiste.
« Banana » (1966)
Autre œuvre immédiatement identifiable de l’œuvre de Warhol, la « Banana (1966) » est devenue mondialement célèbre en tant qu’image de couverture de l’album de rock expérimental séminal du Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico (1967).
Les premiers tirages de l’album présentaient une version « peel and stick » (peler et coller) de la banane qui, une fois retirée, révélait une banane rose vif non pelée en dessous.
Warhol, alors propriétaire et génie créatif derrière The Factory, studio d’art et boîte de nuit new-yorkaise, a joué un rôle déterminant dans la promotion du Velvet Underground, composé des chanteurs Lou Reed et Nico, du multi-instrumentiste gallois John Cale, du guitariste Sterling Morrison et de la batteuse Moe Tucker.
Ils se sont produits lors de l’Exploding Plastic Inevitable (EPI), une série d’événements organisés par Warhol en 1966-1967, mêlant projections de ses films ainsi que performances musicales et dansées. Mais, malgré son statut légendaire aujourd’hui, l’album a connu des débuts commerciaux difficiles.
Décrivant l’impact de The Velvet Underground & Nico, l’artiste et musicien Brian Eno a un jour déclaré : « Le premier album du Velvet Underground ne s’est vendu qu’à 10 000 exemplaires. Mais tous ceux qui l’ont acheté ont formé un groupe. »
En parfaite adéquation avec l’approche avant-gardiste et expérimentale de la musique du Velvet Underground, la « Banana » de Warhol est aujourd’hui synonyme de l’effervescence culturelle new-yorkaise de la fin des années 1960.
« Mao » (1972)
Produite dans la continuité de l’iconique série « Flower », la série « Mao » marque le retour de Warhol au portrait et figure parmi ses œuvres les plus célèbres.
Fruit de l'intérêt marqué de Warhol pour la célébrité, cette série s'inspire à la fois de la visite historique de Richard Nixon en Chine en 1972 et d'un article paru la même année dans le magazine Life. Ce texte affirmait que le dirigeant communiste chinois Mao Zedong était alors la personne « la plus célèbre » au monde.
Véritable méditation sur la politique, la reproductibilité et l'image, Warhol a choisi de baser sa série sur une photographie issue du Petit Livre rouge de Mao, recueil d'essais et d'aphorismes attribués au dirigeant, largement diffusé en Chine durant la sanglante Révolution culturelle des années 1960 et 1970. À ce jour, plus d'un milliard d'exemplaires de cet ouvrage ont été produits.
Dans la version de Warhol, le portrait « tracé » de Mao est rehaussé d'une variété de couleurs vives, allant du vert et orange au bleu et jaune.
La technologie est au cœur de ces œuvres. À la fin des années 1960, lors d'une visite à la School of Visual Arts de New York, Warhol découvre le Photostat. Ce moment charnière lui permet de réaliser instantanément des reproductions photographiques d'images, qu'il utilise ensuite comme fondations pour ses créations Pop aux couleurs éclatantes.
En 1973, la première machine Xerox couleur — plus connue sous le nom de photocopieur — est commercialisée. Warhol en acquiert rapidement une et s'en sert pour réaliser des centaines de copies de son image tracée. La reproduction mécanique des œuvres devient alors aussi simple qu'une pression sur un bouton.
La série « Mao » est dévoilée lors de l'exposition majeure de Warhol au musée Galliera à Paris, en 1974. Les murs de l'espace d'exposition étaient tapissés de motifs « Mao » répétés, que Warhol qualifiait de « papier peint Mao ».
[Pour consulter notre article sur les lieux où admirer les œuvres les plus célèbres de Warhol, cliquez ici.]
« Self Portrait (Fright Wig) » (1986)
Loin d'être le premier des autoportraits de Warhol, Self-Portrait (Fright Wig) (1986) compte parmi ses œuvres les plus célèbres.
Réalisée l'année précédant sa mort, la pièce met en scène la perruque platine emblématique de son créateur obsédé par son image — ce qu'il appelait sa « Fright Wig ».
Fixant intensément le spectateur, Warhol attire notre attention sur son visage marqué par le temps et sa chevelure blanche en bataille, dans ce qui constitue, en fin de compte, une expression de défi ; derrière son regard déterminé se cache le désir de dégager une énergie juvénile et une forme de décadence malgré l'âge, la maladie et une célébrité déclinante.
Imprégnée de la conscience de sa propre mortalité, l'œuvre rappelle sa série antérieure des Skulls : véritable memento mori de l'époque contemporaine, beaucoup ont décrit cette œuvre comme un messager spectral de la mort — et de la renommée éternelle.
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