La scène new-yorkaise : Keith Haring et Andy Warhol
Inspiré par l’émergence — et l’ascension irrésistible — du graffiti à New York dans les années 1970 et 1980, Keith Haring a débuté sa carrière artistique en tant qu’artiste de rue. Il a principalement travaillé dans le métro new-yorkais, ornant ses murs et ses panneaux publicitaires de figures dynamiques rappelant la bande dessinée, ainsi que d’autres symboles qu’il nommait « Icônes ». Celles-ci étaient inspirées par le temps qu’il a passé à étudier la sémiotique à la School of Visual Arts de New York.
Au début des années 1980, Keith Haring a fait la connaissance d’Andy Warhol — parrain de la scène Pop Art alors en plein essor aux États-Unis et propriétaire du studio new-yorkais (ou série de studios) The Factory — un célèbre atelier d’artiste doublé d’une boîte de nuit à Manhattan.
La première rencontre entre les deux hommes fut brève. Ce n’est qu’après une exposition à la Fun Gallery de la ville que le duo s’est rapproché. Même avant que l’art d’Andy Warhol n’influence celui de Keith Haring, les deux artistes partageaient des parcours similaires. Andy Warhol avait travaillé comme illustrateur commercial à New York avant de se faire un nom dans le monde de l’art ; Keith Haring, quant à lui, s’était inscrit dans une école à Pittsburgh avec l’intention initiale de devenir également illustrateur commercial, avant de réaliser que cette carrière ne lui correspondait pas.
Évoquant sa relation avec Andy Warhol, Keith Haring a déclaré : « Avant que je ne connaisse [Andy], il n’était pour moi qu’une image. Il était totalement inaccessible. Je l’ai finalement rencontré par l’intermédiaire de Christopher Makos, qui m’a emmené à la Factory […]. Il lui était difficile d’être à l’aise avec des gens qu’il ne connaissait pas. Puis il est venu à une autre exposition à la Fun Gallery, peu après celle de Shafrazi. Il était plus amical. Nous avons commencé à discuter, à sortir ensemble. Nous avons échangé beaucoup d’œuvres à cette époque. »
L’influence de Andy Warhol sur Haring fut considérable, le poussant à créer un nombre croissant d’œuvres.
En 1986, Haring a publié une édition extrêmement limitée d’estampes en huit couleurs. Intitulée la série « Andy Mouse », ces œuvres graphiques et ludiques voient Haring combiner deux symboles de ses influences majeures : Mickey Mouse de Walt Disney et Andy Warhol lui-même.
« Andy Mouse 1 » et « Andy Mouse 2 » rendent hommage à l’approche graphique et incisive de la composition dont Andy Warhol a été le pionnier avec ses peintures sérigraphiées et ses œuvres basées sur la xérographie.
Dans « Andy Mouse 3 », le personnage hybride Mickey/Warhol de Haring est placé au centre d’un billet d’un dollar américain. Son portrait en icône américaine, au même titre que Benjamin Franklin ou Abraham Lincoln – deux figures historiques figurant sur la monnaie américaine –, souligne l’importance qu’il revêtait aux yeux de Haring.
Suite au diagnostic de sa séropositivité en 1987, et indéniablement influencé par le processus de production quasi mécanique de Warhol, Haring a commencé à créer des œuvres de plus grande dimension, et ce, à un rythme soutenu.
Peintes entre deux visites à l'hôpital et deux rendez-vous médicaux, ses peintures murales appelaient à une recherche scientifique urgente sur le virus – alors largement méconnu – ainsi qu'à la nécessité impérieuse de se protéger en pratiquant des rapports sexuels sans risque. L'une de ses œuvres les plus célèbres, Todos Juntos Podemos Parar el SIDA (1989), fut réalisée à Barcelone.
Banksy : héritier de l'empreinte de Warhol
Bien qu'il n'ait eu que 13 ans lors de la mort d'Andy Warhol en 1987, la légende britannique du Street Art, Banksy, a fait référence au roi du Pop Art dans ses propres œuvres.
Tandis que l'iconique « Choose Your Weapon » de Banksy fait référence à l'une des « icônes » de Keith Haring, la série « Soup Can » de Banksy s'empare des célèbres estampes de boîtes de Campbell’s Soup d'Andy Warhol, les réappropriant pour un public britannique.
Selon la légende, Andy Warhol aurait choisi de créer des œuvres représentant la boîte de soupe Campbell’s en raison de ses fortes associations avec le capitalisme, le consumérisme et la classe ouvrière américaine. Dans une interview, l'artiste a même fait remarquer qu'avant de faire fortune, il avait mangé une boîte de cette même soupe chaque jour au déjeuner pendant 20 ans.
Dans sa propre version de ces images classiques, qui figure également dans la série « Soup Cans (Quad) », Banksy détourne une icône de la culture de consommation britannique : la gamme Tesco Value.
Connue pour son design rudimentaire et ses « lignes bleues » instantanément reconnaissables, la gamme Value était le pilier du consommateur soucieux de son budget durant les années 1990 et le début des années 2000.
Plus généralement, on pourrait affirmer que les créations au pochoir de Banksy – visibles dans des œuvres majeures telles que « Bomb Love » et « Love Is In The Air (Flower Thrower) » – sont redevables à la technique du « trait buvard » (blotted line) de Warhol, ainsi qu'à son utilisation d'un rétroprojecteur pour créer des œuvres « tracées », telles que « Grace Kelly (F.& S. 11.305) » (1984).
La période de collaboration entre Jean-Michel Basquiat et Warhol
Célèbre pour ses dessins anatomiques et ses représentations vives et dynamiques de la vie des Afro-Américains, l'artiste plasticien américain Jean-Michel Basquiat a fait ses débuts comme modeste graffeur dans les rues de New York. Accédant à une reconnaissance internationale dans les années 1980, l'ascension fulgurante de Jean-Michel Basquiat fut en partie favorisée par son amitié avec Andy Warhol.
Les deux hommes se sont rencontrés pour la première fois lorsque Jean-Michel Basquiat a aperçu Andy Warhol en train de dîner au restaurant W.P.A., sur Spring Street à Manhattan, en compagnie de son ami et conservateur, Henry Geldzahler.
En 1982, alors que Jean-Michel Basquiat devenait le plus jeune artiste à exposer à la documenta dans la ville allemande de Kassel – un événement artistique organisé tous les cinq ans qui a exercé une influence majeure sur Gerhard Richter – il se vit offrir une exposition personnelle à la galerie zurichoise de Bruno Bischofberger, qui devint plus tard son marchand d'art.
Bruno Bischofberger organisa un déjeuner entre Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat, et les deux hommes devinrent instantanément amis. Dès 1983, le domicile et l'atelier de Jean-Michel Basquiat étaient installés dans un loft de Manhattan appartenant à Andy Warhol, devenu son mécène.
En 1984 et 1985, le duo a réalisé plusieurs collaborations, dont les peintures « Taxi 45th/Broadway » (1984-1985), « Amoco » (1984) et « Untitled (50 Dentures) » (1984).
Pour en savoir plus sur la collaboration tourmentée du duo, cliquez ici.
Money, Money, Money : Damien Hirst inspiré par Andy Warhol
Autrefois controversé, l'artiste Young British Artist (YBA) Damien Hirst a souvent été présenté comme l'héritier naturel d'Andy Warhol et de son vaste empire du Pop Art.
Bien qu'il ne parvienne peut-être pas tout à fait à endosser le rôle d'« éclaireur du marché de l'art » autrefois dévolu à Warhol, Damien Hirst a indéniablement été influencé par l'artiste originaire de Pittsburgh, tant dans sa philosophie artistique que dans son style visuel saisissant.
Évoquant l'importance persistante d'Andy Warhol au sein du monde de l'art contemporain, cet artiste influent et controversé a fait la remarque suivante :
Attirant des sommes importantes lors de leur passage sous le marteau en salle des ventes, les peintures et estampes « Spot » de Hirst constituent sa référence la plus évidente à Andy Warhol.
Chaque œuvre porte le nom d’une drogue différente, choisie au hasard dans un catalogue commercial de réactifs biochimiques et de diagnostic ; les titres incluent ainsi « Methylthymidine » (2008), « Dequalinium Chloride » (2016) et « Phendimetrazine » (2011). Le choix de nommer chaque œuvre d'après une drogue différente visait à conférer à la série une portée quasi infinie : en théorie, elle pourrait se poursuivre indéfiniment.
Une fois leur succès amorcé, les peintures « Spot » furent confiées aux nombreux assistants de Hirst, qui les produisirent de manière quasi mécanisée.
Emboîtant le pas à Andy Warhol, qui employait lui-même un grand nombre d'assistants pour produire des sérigraphies à grande échelle dans son atelier new-yorkais, The Factory (en 1964, il créait jusqu'à 80 estampes par jour), Hirst faisait là ses premières incursions dans la « fabrication d'art ».
Commentant son recours aux assistants, Hirst a un jour déclaré : « [...] la meilleure personne ayant jamais peint des points pour moi est Rachel [Howard]. Elle est brillante. Absolument géniale. La meilleure peinture "Spot" que vous puissiez avoir de moi est celle peinte par Rachel. »
La série « Till Death Do Us Part » (2011) fait également une référence transparente aux « Skulls » (1976) de Warhol, ainsi qu’à ses œuvres révolutionnaires représentant Marilyn Monroe et Mao, produites durant les années 1960 et 1970.
Il n'est guère surprenant que Hirst, artiste s'intéressant au rapport entre l'art et l'argent, crée des œuvres à la suite des peintures de Marilyn Monroe par Andy Warhol : en mai 2022, l'une de ces œuvres, intitulée « Shot Sage Blue Marilyn » (1964), a été adjugée pour 195 millions de dollars (158 millions de livres sterling) chez Christie's New York, devenant l'œuvre d'art du XXe siècle la plus chère jamais vendue.
Pour en savoir plus sur la valeur du marché des estampes de Warhol aujourd'hui, consultez notre Rapport 2023 sur les estampes Pop américaines ici.
Invader : Rubikcubisme 2023
Dans le cadre du plus récent hommage rendu au roi du Pop Art, Andy Warhol, par des artistes contemporains, Invader a collaboré avec HENI Editions pour produire quatre nouvelles estampes en édition limitée issues de la série d'œuvres au long cours d'Invader, composées de Rubik's Cubes, Rubikcubism. Parmi ces quatre estampes, mises en vente entre le 2 février 2023 et le 12 février 2023, l'une est intitulée Rubik Shot Red Marilyn. Cette estampe dérive des précédents « Rubik Master pieces » d'Invader : des œuvres qui recréaient des peintures célèbres, comme la toile mondialement connue de Léonard de Vinci, la Mona Lisa, ou encore « Ohh Alright » de Roy Lichtenstein.
Les estampes sont des tirages giclée contrecollés sur panneau composite aluminium (Diasec) et sont dominées par le rouge audacieux présent à la fois dans l'œuvre originale de Warhol et sur le Rubik's Cube. Bien que les Marilyn Monroes de Warhol soient des icônes innées de l'art moderne — débutées en 1962, elles immortalisent la star hollywoodienne ainsi que l'obsession de toujours de Warhol pour le glamour iconoclaste et les intrigues obscures de la culture populaire —, les versions « Shot » des peintures le sont sans doute encore davantage. Créées en 1964, Andy Warhol a peint cinq Marilyn, dont quatre ont été tristement célèbres pour avoir été tirées dessus par l'artiste de performance Dorothy Podber dans le studio new-yorkais de Warhol, The Factory, devenant ainsi les emblématiques œuvres « Shot Marilyns ».
L'œuvre la plus iconique des quatre pièces « shot » est sans doute « Shot Sage Blue Marilyn », étant donné que l'original a fait les gros titres en mai 2022, lorsqu'elle a été adjugée pour la somme stupéfiante de 195 millions de dollars (158 millions de livres sterling) chez Christie’s New York, devenant non seulement l'œuvre de Warhol la plus chère jamais vendue, mais aussi l'œuvre d'art du XXe siècle la plus coûteuse de l'histoire. Bien que le Rubikcubism d'Invader utilise les six couleurs des facettes du Rubik's Cube dans un rendu inspiré du pointillisme, permettant à l'artiste de créer l'illusion de teintes et de nuances intermédiaires à distance, il n'est guère surprenant qu'il choisisse de rendre hommage à la Shot Red Marilyn de Warhol plutôt qu'à son homologue Shot Sage Blue ; outre la difficulté de créer une teinte sauge avec sa palette restreinte de blanc, jaune, rouge, bleu, orange et vert, le rouge « rouge à lèvres » audacieux du fond de Marilyn est parfaitement restitué par Invader. L'artiste de rue contemporain combine en réalité des facettes des faces rouge et orange du cube afin de reproduire au mieux la nuance de Warhol.
HENI a rendu la Rubik Shot Red Marilyn d'Invader disponible pendant une période de 10 jours, permettant à la demande pour l'œuvre de dicter la production et, par conséquent, la taille de l'édition. Cette approche du consumérisme de masse, bien que probablement fortuite, semble constituer un hommage approprié au roi du Pop Art, dont la production prolifique est bien connue.
