Pionnières du marché de l'art : collectionneuses et marchandes qui ont façonné l'histoire de l'art
Image © flickr / Peggy Guggenheim
Market Reports
Au cours de l'histoire, les collectionneurs et les marchands visionnaires ont joué un rôle essentiel dans le façonnement du monde de l'art. Parmi eux, de nombreuses femmes influentes ont apporté des contributions transformatrices, mais leur impact a souvent été négligé ou sous-estimé simplement en raison de leur sexe.
Des figures telles que Gertrude Stein, Peggy Guggenheim et Betty Parsons ont défendu des artistes avant leur reconnaissance, ont remis en question les idées reçues sur la collection et ont redéfini ce que signifiait être mécène des arts. Au-delà des collectionneurs, des galeristes pionnières comme Marian Goodman et Ileana Sonnabend ont offert des plateformes à des artistes avant-gardistes, souvent avant que le marché de l'art traditionnel ne soit prêt. Leur impact se fait sentir aujourd'hui encore, alors qu'une nouvelle génération de femmes, de Dominique Lévy aux fondatrices du Women in Art Fair, œuvre pour garantir une plus grande représentation et visibilité aux artistes femmes. Le marché de l'art, tel que nous le connaissons aujourd'hui, n'existerait pas sans elles.
Les premières collectionneuses qui ont transformé le marché de l'art
Helena Rubinstein
Helena Rubinstein fut une mécène visionnaire de l’art moderne qui constitua une collection éclectique et pionnière, reflétant son goût pour l'innovation et la beauté. Née en Pologne en 1872, Rubinstein s'est hissée au rang des femmes autodidactes les plus prospères de son époque. Son immense fortune, bâtie grâce à son empire mondial de la beauté, lui permit de cultiver une collection d’œuvres d’art extraordinaire couvrant la peinture moderniste, l’art africain et les arts décoratifs, affirmant ainsi son goût avant-gardiste et singulier.
L'implication profonde de Rubinstein dans le monde de l'art fut façonnée par son style de vie cosmopolite. Elle multipliait les séjours entre Paris, Londres et New York, s’immergeant dans les cercles artistiques et se liant d’amitié avec des figures de l’avant-garde telles que Joan Miró, Picasso et Brancusi. Contrairement à de nombreux collectionneurs qui suivaient les courants établis, Rubinstein achetait d'instinct, sélectionnant les œuvres en fonction de ses sensibilités esthétiques personnelles plutôt que de leur valeur sur le marché. Elle était attirée par les couleurs vives, les formes abstraites et les compositions originales, accumulant des œuvres allant des chefs-d'œuvre cubistes et surréalistes à des pièces complexes du design Art Déco.
L'un des aspects les plus notables de la pratique de collectionneuse de Rubinstein fut son intérêt précoce pour l'art africain. À une époque où l'art non occidental était souvent écarté ou perçu principalement sous un angle ethnographique, Rubinstein y reconnaissait une profonde influence sur le modernisme. Elle acquit jusqu'à 360 pièces d’art tribal, comprenant leur importance artistique et l'inspiration qu'elles offraient à des artistes comme Picasso et Brancusi. Sa collection a contribué à rehausser le statut de l'art tribal et africain, remettant en question les préjugés occidentaux et soulignant l'influence immense de l'art issu de la diaspora africaine, affirmant ainsi son rôle dans l'orientation des mouvements modernistes du XXe siècle.
Rubinstein intégrait l'art moderne au quotidien ; ses résidences, ses salons de beauté et ses boutiques devenaient des vitrines immersives d'art et de design contemporains, où les clientes pouvaient découvrir des œuvres dans des cadres inattendus. Elle commandait des intérieurs somptueux comportant des fresques surréalistes, des palettes de couleurs audacieuses et des meubles modernistes, créant des environnements qui brouillaient les frontières entre l'art, le commerce et la vie quotidienne. Cette fusion novatrice de l'art et de la beauté rendait non seulement le modernisme plus accessible, mais renforçait aussi la conviction de Rubinstein que le raffinement esthétique devait être un élément central de la vie moderne. Au-delà de sa collection, Rubinstein soutenait également les artistes émergents, commandant des œuvres et finançant des expositions qui promouvaient les mouvements d'avant-garde. Son mécénat s'étendait à la photographie et à la création de costumes, et elle fut même le sujet de portraits réalisés par des artistes majeurs de son temps, dont Graham Sutherland et Marie Laurencin.
Bien que la collection d'art de Rubinstein fût vaste, elle n'était pas principalement connue comme mécène de l'art de la même manière que de grands collectionneurs tels que Guggenheim ou Stein. Son attention restait focalisée sur l'intégration de l'art dans ses espaces personnels et commerciaux plutôt que sur un mécénat orienté vers les musées. Néanmoins, l'approche de Rubinstein en matière de collection et d'exposition d'œuvres a remis en question les frontières traditionnelles entre le commerce, la culture et l'esthétique, et a remodelé la manière dont l'art moderne était vécu — prouvant que l'art ne devrait pas être confiné aux galeries, mais devrait enrichir chaque aspect de la vie quotidienne.
Image © Library of Congress / Portrait de Gertrude Stein © Carl Van Vechten 1934Gertrude Stein
Après son installation à Paris en 1903, Gertrude Stein, accompagnée de son frère Leo, s'est immergée dans la scène artistique de la ville, visitant fréquemment galeries, musées et expositions. Ensemble, les frères et sœurs ont constitué une collection impressionnante d'art moderne, se concentrant sur les œuvres de Paul Cézanne, Henri Matisse et Picasso, dont les approches novatrices de la forme et de la couleur défiaient les conventions artistiques. Leur collection comprenait également des pièces d'Eugène Delacroix, Henri de Toulouse-Lautrec et Félix Vallotton. À partir de 1906, les frères et sœurs Stein organisaient des salons hebdomadaires le samedi soir dans leur résidence commune au 27 rue de Fleurus. Ces rencontres sont devenues un foyer essentiel pour les artistes, écrivains, collectionneurs et marchands, favorisant un échange international d'idées qui a façonné le modernisme du début du XXe siècle.
En 1907, Stein rencontra Alice B. Toklas, une expatriée américaine qui deviendrait sa partenaire pour la vie et son assistante littéraire. Cependant, les tensions entre Gertrude et Leo grandirent au début des années 1910 en raison de leurs divergences d'opinions sur l'art moderne, notamment le cubisme, ainsi que de la désapprobation de Leo face à la relation de Stein avec Toklas. En 1914, les frères et sœurs avaient partagé leur collection et pris des chemins séparés. Gertrude conserva les Picassos, consolidant son rôle comme l'une de ses mécènes et soutiens les plus importants. Elle continua d'acheter des œuvres dans les années 1920, renforçant ainsi son influence sur les mouvements d'avant-garde de l'époque.
L'influence de Stein sur Picasso allait bien au-delà du soutien financier. Elle fut l'une des premières défenseures du cubisme, un mouvement qui cherchait à décomposer les perspectives traditionnelles et à présenter simultanément de multiples points de vue. Son engagement intellectuel avec l'œuvre de Picasso l'encouragea à repousser davantage les limites, et leurs échanges aidèrent à solidifier sa vision artistique. En 1905-1906, Picasso réalisa d'ailleurs le Portrait of Gertrude Stein. Le soutien de Stein lui apporta une validation à un moment où il était encore en difficulté, jouant un rôle fondamental dans son succès ultérieur.
Par son œil pour l'innovation et son engagement sans faille envers l'art moderne, Stein a contribué à façonner la trajectoire de l'art du début du XXe siècle. Son soutien à Picasso et au mouvement cubiste a jeté les bases des développements avant-gardistes futurs, prouvant que le mécénat pouvait aller au-delà du soutien financier pour devenir une force dynamique dans l'évolution artistique. Aujourd'hui, son influence perdure tant dans le monde de l'art qu'au sein du modernisme littéraire, témoignage de son rôle visionnaire dans la redéfinition de l'expression artistique.
Image © flickr / Peggy Guggenheim sur les marches du Pavillon grec (24e Biennale de Venise) © Solomon R. Guggenheim Foundation 1948
Peggy Guggenheim
Après avoir grandi à New York, Peggy Guggenheim s'est rendue en Europe en 1921. Grâce à son mariage avec l'écrivain et artiste Laurence Vail, elle s'est immergée dans le monde effervescent de la bohème parisienne et de la communauté des expatriés américains. Fille d'une riche famille américaine et nièce de Solomon R. Guggenheim, Peggy disposait à la fois des moyens financiers et du bagage culturel nécessaires pour nouer des relations avec certaines des figures culturelles les plus influentes de l'époque, dont Constantin Brancusi, Djuna Barnes et Marcel Duchamp, dont beaucoup sont restés proches d'elle toute sa vie. Duchamp, en particulier, est devenu un conseiller proche, la guidant à travers les complexités de l'art contemporain et l'aidant à développer un œil pour les œuvres avant-gardistes.
Son influence en tant que collectionneuse a décollé en 1938 lorsqu'elle a ouvert sa première galerie, Guggenheim Jeune, à Londres. Bien qu'elle n'ait aucune expérience formelle dans le commerce de l'art, elle a démontré une capacité étonnante à reconnaître les talents émergents. La galerie est rapidement devenue un centre pour l'expérimentation d'avant-garde, accueillant des expositions d'artistes tels que Jean Cocteau, Wassily Kandinsky et Yves Tanguy. Cependant, à mesure que le climat politique en Europe devenait de plus en plus instable, les ambitions de Guggenheim se sont élargies.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Guggenheim a cherché à établir un musée d'art moderne à Paris. Alors que l'occupation nazie menaçait le patrimoine culturel, elle s'est engagée dans un effort stratégique pour acquérir et préserver des œuvres majeures de l'art moderne, y compris des pièces de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Piet Mondrian, Francis Picabia et Fernand Léger. Parmi ses acquisitions notables figurait The Antipope de Max Ernst, un artiste surréaliste qu'elle épousa plus tard.
En 1941, Guggenheim a quitté l'Europe et a transporté sa collection à New York, où elle a ouvert Art of This Century en 1942. Cette galerie fonctionnait comme un espace d'exposition innovant, présentant des installations non conventionnelles conçues par Friedrich Kiesler. Elle est devenue un lieu de premier plan pour l'art d'avant-garde, présentant simultanément des surréalistes européens et des artistes américains émergents. Guggenheim a joué un rôle essentiel dans l'avancement des carrières de personnalités telles que Jackson Pollock, qu'elle a soutenu financièrement et pour lequel elle a organisé des expositions personnelles. De plus, elle a exposé des artistes comme Mark Rothko, Clyfford Still et Robert Motherwell, contribuant à l'essor du mouvement de l'expressionnisme abstrait.
Après la guerre, Guggenheim est retournée en Europe en 1947 et s'est installée à Venise. En 1948, sa collection a été exposée à la Biennale de Venise, marquant la première présentation majeure de l'expressionnisme abstrait en Europe et renforçant la portée mondiale du modernisme américain. Elle a ensuite acquis le Palazzo Venier dei Leoni sur le Grand Canal, le transformant à la fois en sa résidence et en musée public pour sa collection. Aujourd'hui, la Collection Peggy Guggenheim demeure une institution centrale dans l'étude et l'appréciation de l'art moderne, soulignant son impact durable sur l'histoire de l'art du XXe siècle.
Image © Wikimedia Commons / Betty Parsons © Lynn Gilbert 1977Les femmes pionnières qui ont façonné le marché des galeristes
Betty Parsons
Betty Parsons était une galeriste visionnaire qui a joué un rôle essentiel dans l'orientation de l'Expressionnisme abstrait. Parsons a fait découvrir au monde des artistes qui allaient définir l'art moderne, notamment Pollock, Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still. Après avoir ouvert la Betty Parsons Gallery en 1946, elle a organisé pour ces artistes leurs premières expositions d'envergure avant que d'autres ne reconnaissent leur potentiel. Parsons avait un flair certain pour dénicher les talents novateurs, et sa galerie est rapidement devenue un centre névralgique pour les artistes d'avant-garde cherchant un lieu pour présenter leurs œuvres révolutionnaires. Elle a pris d'énormes risques en soutenant des artistes expérimentaux et encore peu reconnus, mais sa foi dans leur vision a porté ses fruits, contribuant à établir l'Expressionnisme abstrait comme le mouvement dominant de l'après-guerre dans l'art américain.
Même après que plusieurs de ses artistes les plus célèbres soient passés à des galeries plus lucratives dans les années 1950, Parsons est restée déterminée à découvrir de nouveaux talents. Elle a continué à soutenir des artistes tels que Agnes Martin, Ellsworth Kelly, Jasper Johns et Robert Rauschenberg, veillant à ce que sa galerie continue de remettre en question les conventions artistiques et d'offrir une plateforme aux voix émergentes. Son impact sur le monde de l'art a été profond : en encourageant ces artistes, Parsons a aidé à définir une ère d'innovation artistique qui résonne encore aujourd'hui.
Marian Goodman
Peu de galeristes ont eu un impact aussi important sur l'art contemporain que Marian Goodman. Connue pour son œil avisé et son engagement envers l'intégrité artistique, Goodman consacre plus de cinq décennies à défendre certains des artistes les plus majeurs de notre époque. Elle a joué un rôle essentiel dans la présentation aux publics américains d'artistes européens de premier plan tels que Gerhard Richter, Joseph Beuys et Marcel Broodthaers, tout en soutenant également des artistes conceptuels et multimédias américains comme Cindy Sherman, John Baldessari et Gabriel Orozco.
Goodman a commencé sa carrière dans le monde de l'art en 1965 lorsqu'elle a cofondé Multiples, Inc., une maison d'édition qui produisait des estampes et des livres d'artistes contemporains majeurs. En 1977, elle a ouvert la Marian Goodman Gallery à New York, l'établissant immédiatement comme un centre d'art progressiste. Au fil des ans, elle a soutenu les carrières d'artistes travaillant dans divers médias, de la photographie et la peinture à la vidéo et l'installation.
Ileana Sonnabend
Ileana Sonnabend fut l'une des galeristes les plus influentes du XXe siècle, servant de passerelle entre les mouvements artistiques américains et européens. Au cours de sa carrière de plusieurs décennies, elle a fait découvrir le Pop Art et le Minimalisme américains au public européen, tout en important l'Arte Povera italienne et l'art conceptuel aux États-Unis. Sa capacité à identifier et à promouvoir des mouvements artistiques radicaux nouveaux a contribué à définir le monde de l'art d'après-guerre des deux côtés de l'Atlantique. Elle a joué un rôle clé en présentant des artistes tels que Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Rauschenberg à l'Europe, où leurs œuvres étaient jusqu'alors peu connues. Simultanément, elle a fait découvrir des artistes européens d'avant-garde — dont Gilberto Zorio, Mario Merz et Jannis Kounellis — au public américain, contribuant ainsi à élargir la portée du discours sur l'art contemporain.
Sonnabend était également reconnue pour sa volonté de prendre des risques avec des formes d'art non commerciales et exigeantes, notamment l'art conceptuel, la performance et l'art vidéo. Sa galerie fut l'une des premières à adopter ces nouveaux médias, faisant d'elle une figure essentielle dans l'élargissement des frontières de ce qui était considéré comme des œuvres « collectionnables ».
Paula Cooper
En fondant l'une des premières galeries principalement dédiée à l'art minimaliste et conceptuel, Paula Cooper s'est imposée comme une figure centrale du monde de l'art contemporain depuis les années 1960. Sa Paula Cooper Gallery, ouverte en 1968, est devenue un espace pionnier pour les artistes travaillant avec des formes radicalement nouvelles, notamment Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt et Dan Flavin.
La première exposition de Cooper était une collecte de fonds pour protester contre la guerre du Vietnam, donnant le ton d'une galerie aussi engagée politiquement qu'ambitieuse artistiquement. Elle a défendu des artistes dont les œuvres étaient intellectuelles, basées sur le processus et souvent difficiles à catégoriser, contribuant à façonner la trajectoire de l'art postmoderne. En 1996, Cooper fut l'une des premières grandes galeristes à installer sa galerie à Chelsea, un quartier qui allait rapidement devenir le principal district artistique de New York. Son engagement à encourager l'expérimentation artistique est resté constant, et sa galerie continue de représenter une sélection pointue d'artistes établis et émergents. L'influence de Cooper se ressent toujours à travers les carrières qu'elle a soutenues et les mouvements artistiques novateurs qu'elle a aidé à définir.
Les femmes qui dominent le marché de l'art contemporain aujourd'hui
Dominique Lévy
Depuis plus de quarante ans, Dominique Lévy est une figure centrale du marché international de l'art : galeriste renommée, conseillère et collectionneuse, elle a joué un rôle essentiel dans l'évolution du marché secondaire des artistes blue chip contemporains, représentant certains des artistes les plus influents de l'ère moderne. Au fil des ans, Mme Lévy a fondé plusieurs galeries influentes, dont Lévy Gorvy, et en 2017, elle a cofondé Lévy Gorvy Dayan – une initiative qui perpétue sa tradition de présenter des œuvres d'importance historique dans un contexte nouveau et dynamique.
Women In Art Fair
La Women in Art Fair (WIAF) s'est imposée comme une initiative visant à corriger le déséquilibre entre les genres dans le secteur de l'art. Durant Frieze London, la WIAF offre une plateforme de premier plan aux artistes femmes, galeristes et curatrices, remettant ainsi en question les structures traditionnelles du marché de l'art. En créant une plateforme mondiale pour les artistes femmes, les curatrices et les marchandes, la WIAF ne fait pas que mettre en lumière des talents exceptionnels ; elle redéfinit également le débat sur le genre, la représentation et la visibilité artistique sur le marché de l'art contemporain.