Les 5 œuvres les plus célèbres de Damien Hirst

Né à Bristol, Hirst a grandi à Leeds dans les années 1960 et 1970. Peu porté sur les études théoriques, il rencontre des difficultés à l'école, au point que son professeur d'art plaide pour qu'il soit autorisé à poursuivre sa scolarité au lycée afin de préparer ses A-Levels.

Ayant obtenu la note « E » en art — un résultat auquel il fera référence avec humour lors de son discours de remerciement pour le prix Turner en 1995 — Hirst travaille ensuite comme ouvrier à Londres, tout en continuant à créer des œuvres de manière indépendante. En 1986, après un premier refus, Hirst intègre le Goldsmiths College de Londres pour y étudier les beaux-arts.

Dans l'œuvre photographique bien connue « With Dead Head » (1991), Hirst souligne son intérêt précoce pour l'art et la mort — des thèmes qu'il a explorés inlassablement tout au long de ses plus de trente ans de carrière.

L'œuvre montre un jeune Hirst souriant. On le voit placer sa propre tête à côté de celle d'un cadavre, séparée du corps et enveloppée dans ce qui semble être un linceul.

Mais comment a-t-il pu prendre cette photo ? Dès l'âge de 16 ans, Hirst fréquentait le département d'anatomie de l'école de médecine de Leeds et travaillait à temps partiel dans une morgue.

Hirst a retrouvé et agrandi la photographie en 1991, année durant laquelle il a présenté ses deux premières expositions personnelles à Londres. Intitulées « In And Out of Love » et « Internal Affairs », elles se sont tenues respectivement à la Woodstock Street Gallery et à l'Institute of Contemporary Art (ICA).

Profondément morbide — et potentiellement difficile à supporter pour certains — « With Dead Head » a joué un rôle déterminant dans la construction de l'image publique de Hirst en tant qu'artiste désireux d'aborder des tabous, de prendre des risques et de provoquer le public.

Bien qu'elle ne soit pas aussi célèbre que ses œuvres de plus grande envergure, « With Dead Head » reste durablement ancrée dans l'esprit de tous ceux qui l'ont vue et incarne Hirst au sommet de sa subversion.

The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living (1991) est certainement l’une des œuvres les plus célèbres de Hirst, si ce n’est la plus célèbre.

Cette installation à grande échelle, exposée pour la première fois à la Saatchi Gallery de Londres, a nécessité un coût de production d’environ 50 000 livres sterling.

Composée d’un grand requin blanc immergé dans une vitrine translucide remplie de formaldéhyde, l’œuvre est une icône des mouvements Young British Artists et Britart.

Une fois de plus, il est question de mort.

Hirst explique : « La peur de ce requin est une peur irrationnelle, mais c’est un excellent moyen de toucher à cette peur de la mort, qui est, elle, une peur rationnelle. »

Commandée par le galeriste et mécène des YBA, Charles Saatchi, l’œuvre a été vendue aux alentours de 12 millions de dollars en 2004.

L’importance de cette œuvre ne découle toutefois pas de son prix élevé.

Avec l’installation grotesque A Thousand Years (1990), composée d’une tête de vache en décomposition, d’un tue-mouche électrique et de milliers de mouches vivantes, le tout placé dans un caisson hermétiquement scellé, cette installation marque l’adoption résolue par Hirst de l’échelle monumentale et des techniques de l’art conceptuel.

Dans la lignée de ses installations remarquables, « A Thousand Years » et « The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living », « Mother And Child (Divided) » (1993) est une œuvre de grande envergure structurée autour de vitrines. Elle présente une vache et son veau, chacun sectionné en deux et conservé dans une solution de formaldéhyde.

Chaque moitié étant placée dans son propre caisson, les visiteurs peuvent déambuler entre les bovins disséqués pour inspecter la complexité de leurs entrailles. Lorsque l'œuvre fut exposée pour la première fois à la Biennale de Venise en 1993, elle a suscité la colère des associations de défense des animaux et a continué de faire la une à chaque nouvelle présentation.

Il a été dit que l'une des inspirations majeures de Hirst pour cette installation était l'œuvre de l'artiste d'origine irlandaise Francis Bacon qui, quelques mois seulement avant sa mort en 1992, aurait passé une heure entière fasciné par « A Thousand Years » de Hirst.

Le traitement brut et viscéral de la chair animale dans cette œuvre rappelle indéniablement celui présent dans nombre de peintures de Bacon, notamment « Second Version Of ‘Painting’ 1946 » (1971) et ses évocations ultérieures de corridas. L'admiration de Hirst pour Bacon est également bien documentée : en 2006, l'artiste a conçu une installation en hommage à Bacon avec une autre œuvre, « The Tranquility Of Solitude (For George Dyer) ».

Pourtant, malgré ses points de convergence avec Bacon et les similitudes compositionnelles avec le travail du « roi du kitsch » américain Jeff Koons, qui utilisait des caissons pour sa série Equilibrium, le véritable sujet de l'œuvre est en réalité la religion et l'art chrétien.

Subversion de la « Vierge à l'Enfant » — un point de référence canonique de l'histoire de l'art et de la religion — l'œuvre fait écho à l'éducation catholique de Hirst ainsi qu'à sa remise en question tridimensionnelle de la tradition picturale bidimensionnelle.

Commentant sa relation complexe avec la peinture et son amour pour les installations, Hirst a déclaré un jour : « J'ai abandonné la peinture à 16 ans. Je pensais secrètement que j'aurais été Rembrandt à cet âge-là ».

Œuvre allégorique du XXIe siècle, Lullaby Spring compte parmi les plus célèbres créations de Damien Hirst.

Héritière de ses premières œuvres aujourd'hui iconiques, comme Medicine Cabinets (1988), réalisée à partir d'emballages de médicaments vides offerts par sa grand-mère, et l'installation monumentale Pharmacy (1992), cette pièce fusionne la sensibilité conceptuelle de Damien Hirst avec son amour profond pour la couleur et sa fascination pour les produits pharmaceutiques.

Composée d'une disposition polychrome de pilules moulées et peintes, minutieusement agencées dans une armoire en acier inoxydable, Lullaby Spring évoque le passage de saisons et l'inévitabilité de la mort.

À plus d'un titre, elle marque une étape majeure dans l'évolution stylistique de Damien Hirst.

Étudiant au Goldsmiths, Damien Hirst commence à expérimenter la couleur. L'une de ses premières œuvres est l'installation méconnue 8 Pans (1987) : une pièce composée de huit casseroles aux couleurs vives suspendues latéralement. Un an plus tard, l'artiste réalise l'assemblage Boxes (1988), qui influencera sa célèbre série de peintures Spot – une suite ininterrompue d'œuvres nommées d'après des réactifs chimiques. Ces deux pièces furent exposées lors de l'influente exposition Sensation en 1988.

Alliant couleur, produits chimiques et philosophie conceptuelle, Lullaby Spring réunit trois axes fondamentaux de l'œuvre de Damien Hirst, témoignant d'un sommet dans son développement artistique.

Par ailleurs, cette pièce figure parmi les plus coûteuses de l'artiste. En juin 2007, elle a atteint un prix record de 9,6 millions de livres sterling lors d'une vente aux enchères. Cette adjudication a consacré Damien Hirst comme l'artiste vivant le plus cher d'Europe à l'époque.

En 2007, Hirst réalise l'une de ses œuvres les plus célèbres : ayant nécessité un investissement de 12 millions de livres sterling, « For The Love Of God » est un moulage en platine d'un crâne humain du XVIIIe siècle, incrusté de diamants.

Mais pourquoi des diamants ? Eh bien, malgré leur « valeur » matérielle — un attribut de l'art dont Hirst n'a pas hésité à se jouer, s'inspirant conceptuellement du maître en la matière, Andy Warhol — les diamants constituent, selon Hirst, l'ultime antidote à la mort.