Les 5 œuvres les plus célèbres de Damien Hirst

Né à Bristol, Hirst a grandi à Leeds durant les années 1960 et 1970. Loin d’être un élève studieux, il avait des difficultés à l’école, et son professeur d’art a supplié pour qu’on l’autorise à entrer en classe préparatoire afin qu’il puisse passer ses A-Levels.

Ayant obtenu la note « E » en Arts — un succès dont il a fait référence en plaisantant lors de son discours de réception du Turner Prize en 1995 — Hirst a ensuite travaillé comme ouvrier à Londres, tout en continuant à créer des œuvres de manière indépendante. En 1986, après s’être vu refuser l’entrée une première fois, Hirst a commencé des études en Beaux-Arts au Goldsmiths College de Londres.

Dans l’œuvre photographique bien connue intitulée With Dead Head (1991), Hirst fait référence à son intérêt précoce à la fois pour l’art et la mort — des thèmes qu’il a explorés sans cesse au cours de sa carrière de plus de 30 ans.

L’œuvre montre un jeune Hirst souriant. On le voit placer sa propre tête à côté de celle d’un cadavre, séparée de son corps et enveloppée dans ce qui semble être un linceul.

Mais comment a-t-il obtenu cette photo ? Dès l’âge de 16 ans, Hirst rendait visite au département d’anatomie de la faculté de médecine de Leeds et travaillait à temps partiel dans une morgue.

Hirst a retrouvé et agrandi la photographie en 1991 — une année au cours de laquelle il a tenu ses deux premières expositions personnelles à Londres. Celles-ci s’intitulaient In And Out Of Love et Internal Affairs, et elles se tenaient respectivement à la Woodstock Street Gallery et à l’Institute of Contemporary Art (ICA).

Profondément morbide — et potentiellement nauséabonde — With Dead Head a joué un rôle essentiel dans la consolidation de l’image publique d’Hirst en tant qu’artiste désireux d’aborder les tabous, de prendre des risques et de choquer les publics.

Bien que pas tout à fait aussi célèbres que ses œuvres de plus grande envergure, With Dead Head reste gravée dans l’esprit de tous ceux qui l’ont vue, et représente Hirst à son meilleur dans la subversion.

The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living (1991) est sans aucun doute l’une des œuvres les plus célèbres de Hirst, si ce n’est la plus célèbre.

Cette installation monumentale, exposée pour la première fois à la Saatchi Gallery de Londres, a coûté environ 50 000 £ à réaliser.

Composée d’un requin blanc enfermé dans une vitrine translucide remplie de formol conservateur, cette œuvre est emblématique à la fois des Young British Artists et du mouvement Britart.

Encore une fois, tout tourne autour de la mort.

Hirst explique : « La peur de ce requin est irraisonnée, mais c’est une bonne manière de puiser dans cette peur de la mort, qui, elle, est raisonnable. »

Commandée par le galeriste et mécène des YBA, Charles Saatchi, l'œuvre a été vendue environ 12 millions de dollars en 2004.

L’importance de l'œuvre ne découle toutefois pas de son prix exorbitant.

Associée à l’installation grotesque A Thousand Years (1990), qui se compose d’une tête de vache en décomposition, d’une lampe « insectocuteur » et de milliers de mouches vivantes, le tout placé dans un caisson hermétiquement clos, cette installation marque l’adoption constante par Hirst de l’échelle et des techniques de l’art « conceptuel ».

Faisant suite à ses installations marquantes, A Thousand Years et The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living, Mother And Child (Divided) (1993) est une œuvre monumentale réalisée sous vitrine. Elle présente une vache et son veau, chacun coupé en deux et conservé dans une solution de formaldéhyde.

Chaque moitié étant placée dans son propre aquarium, les visiteurs de la galerie peuvent marcher entre les deux bovins sectionnés pour examiner la complexité de leurs organes internes. Lorsque l'œuvre a été présentée pour la première fois à la Biennale de Venise en 1993, elle a provoqué la fureur des groupes de défense des droits des animaux, et elle continue de faire les gros titres à chaque exposition.

On a dit que l'une des principales inspirations de Hirst pour cette installation était en réalité l'œuvre de l'artiste irlandais Francis Bacon, qui, quelques mois seulement avant sa mort en 1992, aurait passé une heure entière fasciné par A Thousand Years de Hirst.

Le traitement cru et viscéral de la chair animale dans cette œuvre rappelle sans aucun doute celui présent dans de nombreux tableaux de Bacon, notamment Second Version Of ‘Painting’ 1946 (1971) et ses évocations ultérieures de corrida. L'admiration de Hirst pour Bacon est également bien documentée : en 2006, l'artiste a construit un hommage sous forme d'installation à Bacon avec une autre œuvre, The Tranquility Of Solitude (For George Dyer).

Pourtant, malgré son recoupement avec Bacon et ses similarités compositionnelles avec l'œuvre de l'« roi du kitsch » américain Jeff Koons, qui travaillait avec des cuves pour sa série Equilibrium, le véritable sujet de l'œuvre est en fait la religion et l'art chrétien.

Telle une relecture subversive de la Madone à l'Enfant — un point de référence canonique dans l'histoire de l'art et la religion —, l'œuvre fait référence à la fois à l'éducation catholique de Hirst et à sa subversion tridimensionnelle de la tradition artistique bidimensionnelle et picturale.

Commentant sa relation difficile avec la peinture et son amour pour les installations, Hirst a dit un jour : « J'ai arrêté de peindre à 16 ans. Je pensais secrètement que j'aurais été Rembrandt à cette époque. »

Œuvre allégorique pour le XXIe siècle, Lullaby Spring est l'une des plus célèbres de Hirst.

Faisant écho à ses premières œuvres désormais emblématiques, telles que Medicine Cabinets (1988), réalisée avec des emballages de médicaments vides offerts par sa grand-mère, et à l'installation monumentale Pharmacy (1992), elle marie les sensibilités de l'art conceptuel de Hirst à son amour profond pour la couleur et sa fascination pour les produits pharmaceutiques.

Composée d'un arrangement polychrome de pilules peintes moulées, chacune méticuleusement disposée dans une armoire en acier inoxydable, Lullaby Spring évoque le passage des saisons et l'inévitabilité de la mort.

À plus d'un titre, elle marque une étape importante dans l'évolution stylistique de Hirst.

En tant qu'étudiant à Goldsmiths, Hirst a commencé à expérimenter avec la couleur. L'une des premières œuvres de Damien Hirst fut la méconnue installation 8 Pans (1987) : une œuvre composée de 8 casseroles aux couleurs vives suspendues horizontalement. Un an plus tard, l'artiste réalise l'assemblage Boxes (1988), qui influencera ses célèbres peintures Spot – une série ininterrompue d'œuvres nommées d'après un réactif chimique. Ces deux œuvres furent exposées lors de l'influent exposition Sensation de 1988.

Mariant couleur, chimie et philosophie de l'art conceptuel, Lullaby Spring réunit trois axes majeurs de l'œuvre de Hirst, ce qui peut être considéré comme un sommet de son développement artistique.

De plus, cette œuvre figure parmi les plus chères de Hirst. En juin 2007, elle a atteint un prix record de 9,6 millions de livres sterling lors de sa vente aux enchères. Cette transaction a consacré Hirst comme l'artiste vivant le plus cher d'Europe à cette époque.

En 2007, Hirst a créé une autre de ses pièces les plus célèbres : coûtant au total 12 millions de livres sterling à produire, For The Love Of God est un moulage en platine d'un crâne humain du XVIIIe siècle incrusté de diamants.

Mais pourquoi des diamants ? Eh bien, malgré leur « valeur » matérielle — un attribut de l'art avec lequel Hirst s'est empressé de jouer, tirant son inspiration conceptuelle du grand maître de la fabrication artistique, Andy Warhol — les diamants sont, selon Hirst, l'antidote ultime à la mort.