Andy Warhol et son portrait de Marilyn : comment une seule image est devenue un marché

Warhol n'a pas découvert Marilyn Monroe. Au moment où il s'est tourné vers elle, elle était déjà l'une des femmes les plus photographiées de la planète. L'image source – une photo promotionnelle tirée du film Niagara (1953) – était familière aux cinéphiles bien avant de devenir le fondement du portrait le plus célèbre de Warhol.

Ce que représente la série Marilyn de Warhol n'est pas une origine au sens biographique, mais la cristallisation de plusieurs pistes déjà présentes dans la pratique de Warhol :

1. sa décennie dans l'illustration commerciale, affûtant son œil pour l'imagerie des médias de masse
2. son obsession croissante pour la célébrité comme sujet
3. son adoption de la sérigraphie comme véhicule de répétition et de distance mécanique

Fondamentalement, le portfolio de 1967 est sa première suite d'estampes entièrement réalisée, composée de dix variantes en dix schémas de couleurs. Cette structure – un sujet fragmenté en variations – devient le modèle pour les séries ultérieures, de Mao aux Endangered Species, en passant par les Reigning Queens. En ce sens, Marilyn est moins une œuvre unique qu'un véritable plan directeur.

Au moment où Warhol retravaille le portrait fixe de Niagara, Monroe était déjà décédée. L'emballement médiatique autour de sa mort en 1962 a créé exactement le genre de saturation qui le fascinait : une image répétée jusqu'à l'abstraction.

Dans les estampes de la série Marilyn, la femme est dépouillée de tout contexte : aucun arrière-plan, aucun récit, juste une tête flottante sur des aplats de couleurs. L'effet est plus proche d'une icône religieuse que d'un portrait hollywoodien. L'identité est réduite à un masque – lèvres éclatantes, yeux lourds, une silhouette graphique.

Comme le soulignent Earl et Bromovsky, c'est l'inverse du portrait traditionnel, qui tend à fournir des indices sur le caractère et la biographie. Warhol supprime tout cela. Le modèle devient pure surface – un véhicule pour réfléchir à :

1. la célébrité détachée de l'individu
2. la question de savoir si quelqu'un est « important » en fonction de qui il est, ou de la circulation de son image
3. la manière dont la répétition atténue ou amplifie le contenu émotionnel

Le fait que Marilyn soit morte à 36 ans compte. Son histoire est inachevée, son image figée au moment de la tragédie. Là où Elizabeth Taylor ou Elvis Presley portent l'arc plus désordonné de longues carrières de célébrités, Marilyn reste suspendue en permanence dans la jeunesse, le scandale et la spéculation. Ce mystère insoluble, combiné à l'aplatissement opéré par Warhol, explique en grande partie pourquoi son image a dépassé les autres sujets de portrait de l'artiste en termes de valeur et de vélocité.

Lorsque Warhol travaillait sur ses séries consacrées à Marilyn et à ses premiers portraits, il évoluait dans un monde fait de journaux, de radio et d'une télévision limitée. La publicité était à peine au début de son essor d'après-guerre ; la saturation de l'image était une nouveauté, pas une condition ambiante.

Vue avec le recul d'aujourd'hui, l'œuvre Marilyn semble presque prophétique. Le visage répété, le personnage dépouillé, la transformation d'une personne en un logo reproductible : tout cela fait écho à la logique de la « marque personnelle » contemporaine.

Les spécialistes soulignent que c'est l'une des raisons pour lesquelles les estampes continuent de parler si fort aux jeunes collectionneurs qui n'ont peut-être jamais vu un seul film de Marilyn Monroe. Ils reconnaissent la dynamique, sinon la star originale. Le cadre de Warhol – l'être humain comme image sans cesse recirculée – est devenu le paramètre par défaut des réseaux sociaux.

En 2022, le marché s'est rappelé à quel point cette image est puissante lorsque Shot Sage Blue Marilyn – une œuvre originale sur toile, et non une estampe – s'est vendue chez Christie's pour 195 millions de dollars. Elle est brièvement devenue l'œuvre du XXe siècle la plus chère et l'œuvre d'un artiste américain la plus cotée jamais vendue aux enchères.

Les événements de cette envergure ne transforment pas durablement le marché des estampes, mais ils provoquent un pic :

1. une couverture médiatique renouvelée
2. une nouvelle vague de collectionneurs « vérifiant » leurs propres œuvres
3. une réévaluation générale de l'axe Warhol–Marilyn

Comme le note Earl, ce qui a changé de manière plus structurelle au cours des 10 à 15 dernières années, ce n'est pas seulement Warhol, mais le statut des éditions elles-mêmes. Alors que les œuvres originales dominaient autrefois, une cohorte croissante de collectionneurs s'est tournée vers les estampes à mesure que les originaux devenaient inabordables. Ce changement a tiré toute la catégorie des éditions vers le haut : une estampe de Marilyn qui se vendait peut-être entre 10 000 et 20 000 livres sterling en 2010 se négocie désormais avec un zéro supplémentaire.

Marilyn est la pointe la plus aiguë de cette évolution. Warhol dans son ensemble s'est avéré remarquablement stable au fil des décennies – un marché mature, avec une appréciation progressive plutôt que des pics spéculatifs – mais, au sein de cet ensemble, le portefeuille Marilyn a affiché l'une des croissances à long terme les plus abruptes.

Bien que les dix combinaisons de couleurs aient été produites en éditions de taille identique, le marché ne les traite pas toutes de la même manière. Au cours des 15 dernières années, trois versions – numéros de catalogue 23, 24 et 31 – représentent plus de la moitié de la valeur réalisée aux enchères pour cette série.

Il s'agit de :

1. F. & S. II.23 – Teal (Bleu sarcelle) (un favori de la théorie des couleurs : fond froid, contrastes harmonieux)
2. F. & S. II.24 – Black (Noir) (l'exception, la plus sombre et la plus graphiquement austère de l'ensemble)
3. F. & S. II.31 – Pink (Rose) (le « pop » archétypal de Marilyn, sans doute la combinaison de couleurs la plus célèbre)

Pourquoi celles-ci ? Une partie s'explique par la simple théorie des couleurs. Ces combinaisons sont nettes, audacieuses et agréables à l'œil. D'autres dans la série sont plus discordantes ou acides ; elles ont leurs amateurs, mais n'obtiennent pas le même consensus.

Il est important de noter que cette domination ne concerne pas uniquement la fréquence aux enchères. L'exemplaire noir de Marilyn, par exemple, apparaît relativement rarement. Lorsqu'il est mis en vente, il a tendance à réaffirmer son statut. Cet équilibre – suffisamment rare pour être considéré comme spécial, suffisamment visible pour établir un historique de prix – maintient ces trois combinaisons de couleurs au sommet de la hiérarchie.

Il n'y a pas de « bonnes affaires » évidentes qui se cachent dans la série. Même les combinaisons de couleurs plus inhabituelles suscitent une forte demande lorsqu'elles se présentent, simplement parce que les opportunités sont limitées. Certaines versions – comme un fond taupe-métallique chatoyant mentionné par les spécialistes – sont à peine vues, leur localisation relevant de la conjecture.

À l'origine, le portfolio était vendu en ensembles : dix combinaisons de couleurs, avec un numéro d'édition identique sur les dix planches. Au fil des décennies, beaucoup de ces ensembles ont été démantelés – séparés par des marchands pour leur stock ou par des collectionneurs qui n'avaient ni l'espace mural, ni l'envie d'accrocher dix grands portraits de la même femme.

Cette histoire rend les ensembles complets portant le même numéro rares et très recherchés. Ils plaisent à un certain type de collectionneur, quelqu'un qui considère la série comme un tout conceptuel, et pas seulement comme des images individuelles, et qui apprécie la provenance qu'implique la continuité – un seul propriétaire (ou une lignée de propriétaires) ayant conservé l'ensemble, au lieu de le fragmenter.

Les ensembles portant le même numéro entraînent une prime évidente. Un « ensemble » avec des numéros différents est le plus souvent traité comme des estampes individuelles ; les regrouper n'ajoute que peu de valeur, simplement parce que les acheteurs à ce niveau ont tendance à être exigeants. Une planche ne correspondant pas peut nuire à l'intégrité perçue de l'ensemble.

Sur le plan du marché, les ensembles complets occupent désormais un entre-deux délicat mais puissant :

1. financièrement, ils se situent entre les grandes œuvres originales et les estampes seules
2. psychologiquement, ils représentent une « étape finale » pour les collectionneurs d'estampes sérieux ou les acheteurs Cross Over habitués au marché des œuvres originales

Aux niveaux de prix actuels, la provenance est bien plus qu'une simple note de bas de page. Elle influe à la fois sur la valeur et sur l'aisance de l'acquisition.

Plusieurs aspects sont déterminants :

1. La fraîcheur sur le marché – les œuvres issues de longues détentions privées, notamment celles acquises dans les années 60-70 et jamais revendues, sont particulièrement recherchées.
2. La provenance liée à une célébrité ou à une collection – l'inclusion dans une vente d'un seul propriétaire reconnue ou dans une collection bien médiatisée peut faire pencher la balance, même modestement, en ajoutant une dimension narrative et glamour.
3. La filiation avec la Factory ou les premiers marchands – un achat direct ou quasi direct dans l'entourage de Warhol conserve son poids, même s'il n'a pas l'attrait d'un nom de collectionneur célèbre.

À l'inverse, les historiques incomplets ou flous posent problème. Les héritiers qui découvrent un Marilyn sans papiers, ou les récits vagues d'œuvres « trouvées dans une benne/salle de bain/poubelle de voisin », représentent un défi. À ce niveau, les acheteurs exigent une chaîne de titre claire et un haut niveau de confiance ; les anecdotes colorées sans documentation tendent plutôt à miner cette confiance qu'à la renforcer.

L'offre reste principalement axée sur les États-Unis, en particulier New York et d'autres centres où les œuvres de Warhol circulaient à des prix relativement modestes dans les années 1960 à 1980. Beaucoup de ces premiers acheteurs envisagent maintenant la retraite, la planification successorale ou la rationalisation de leurs collections, ce qui libère naturellement des œuvres sur le marché.

La demande, en revanche, est plus uniformément répartie :

1. New York et l'ensemble des États-Unis restent solides en raison de la proximité avec l'histoire de l'artiste.
2. Londres est devenue une plaque tournante majeure pour le négoce et la collection d'estampes de Warhol.
3. L'intérêt venant d'Asie s'est accru régulièrement, à mesure que les noms d'artistes blue chip mondiaux se sont ancrés dans les collections régionales.

Sur le plan démographique, Marilyn n'est pas devenue une image réservée à la génération des baby-boomers. Les collectionneurs plus jeunes connaissent peut-être Monroe davantage comme un symbole que comme une actrice, mais ils reconnaissent instantanément l'association Warhol–Marilyn. L'image est renforcée par la manière dont les artistes ultérieurs l'ont citée et retravaillée – la série Kate Moss de Banksy en étant l'exemple le plus manifeste –, perpétuant ainsi le dialogue historico-artistique qui maintient le motif en vie.

Dans le corpus des portraits de Warhol, on trouve de nombreuses images fortes : Liz, Jackie, Elvis, Mao, les Queens, ou encore la série Endangered Species. Les marchés pour chacune de ces séries évoluent au gré des changements de goût et de la géopolitique. Certaines séries ont connu des pics récents, tandis que d'autres sont plus cycliques ou sensibles au sujet traité.

Marilyn, en revanche, a fait preuve d'une constance remarquable :

1. l'image est immédiatement reconnaissable partout dans le monde, à travers les générations
2. le récit condense la tragédie, le glamour et l'ambiguïté
3. le portfolio a établi un modèle structurel pour la pratique des éditions ultérieures de Warhol
4. le marché est vaste, profond et bien compris ; la volatilité y est généralement de courte durée

Pour le dire simplement, Marilyn est à la fois le symbole et le moteur du marché des estampes de Warhol. Elle incarne sa réflexion la plus claire sur la célébrité, la reproduction et la surface, tout en offrant aux collectionneurs une œuvre qui semble chargée d'émotion, historiquement importante et commercialement fiable.

Pour un artiste obsédé par la transformation des personnes en marques, il est juste que son œuvre la plus pérenne ne soit pas seulement un portrait de Marilyn Monroe, mais le logo définitif de Marilyn-en-tant-que-mythe – et de Warhol lui-même.