Banksy face à l'histoire de l'art

Atteignant des prix d'adjudication records lorsqu'il passe sous le marteau, certains pourraient soutenir que le célèbre graffeur originaire de Bristol fait désormais en réalité partie de cette même institution d'histoire de l'art qu'il se plaît tant à critiquer — bien que nous soyons certains qu'il n'aimerait pas l'admettre.

Le défi le plus récurrent que Banksy lance au canon artistique consiste en une accusation d'élitisme et de conformisme aux convenances du goût bourgeois. Il prend les armes contre l'art hautement conventionnel, tel que le paysage pastoral ou la peinture religieuse, qui, contrairement à ses propres œuvres, renforce les idéaux hégémoniques plutôt que de les subvertir.

Malgré cela, lorsqu'il choisit des artistes pour ses réinterprétations de peintures à l'huile canoniques, Banksy privilégie souvent ceux qui, du moins de leur vivant, possédaient un statut d'outsider : Monet fut autrefois perçu comme trop radical, van Gogh fut interné, et Basquiat fut largement ignoré en tant qu'homme noir homosexuel, décédé finalement d'une overdose accidentelle. Selon toute vraisemblance, cela s'explique par le fait que Banksy est davantage critique envers les mondes de l'art commercial et académique qui ont rétrospectivement assimilé ces artistes au canon, étouffant leurs différences pour s'approprier les vastes profits que ces artistes n'ont jamais connus. C'est un sentiment que Banksy a souvent exprimé, que ce soit à travers son estampe « Morons », ou en publiant sur son compte Instagram la citation suivante du critique d'art Robert Hughes :

Dans cet article, nous examinons plus en détail les références essentielles de Banksy aux œuvres canoniques, ainsi que la manière dont il perturbe les pratiques et l'histoire de l'art traditionnelles.

En octobre 2005, Banksy a dévoilé son exposition Crude Oils, organisée dans une boutique de Westbourne Grove, dans l'ouest de Londres. Pour l'occasion, cet espace exigu avait été investi par 200 rats vivants, ce qui a suscité une visite des autorités sanitaires locales.

Au-delà des rongeurs, les œuvres présentées consistaient en 20 réinterprétations de peintures à l'huile célèbres d'artistes majeurs du canon classique, notamment Warhol, Monet, Hopper et van Gogh. Nombre de ces relectures d'œuvres canoniques ébranlent l'idéal esthétique traditionnel selon lequel l'art doit avant tout être beau : peu importe que Monet ou van Gogh aient ou non souhaité justifier leurs œuvres uniquement par leur beauté, les « corrections » apportées par Banksy suggèrent que, selon lui, l'art devrait être apprécié pour son rapport au réel et sa pertinence en tant que commentaire politique.

Parmi ces œuvres « banksifiées » figurent deux des plus célèbres de l'artiste : « Sunflowers From Petrol Station » — la troisième œuvre la plus chère de Banksy en 2021 — et « Show Me The Monet », qui a été adjugée près de 7,6 millions de livres sterling en 2020.

Des deux, « Sunflowers From Petrol Station » est particulièrement représentative du style de Banksy. Cette pièce constitue une pierre angulaire de son œuvre peinte à la main, une rareté au sein de ses travaux axés sur le graffiti. Son humour et son pathos en font une œuvre emblématique de ses préoccupations majeures : la pollution, l'élitisme de l'art institutionnalisé et l'hypocrisie de la société de consommation. En dépouillant les tournesols de van Gogh de tout charme bucolique, Banksy dépeint un bouquet flétri et négligé, tel qu'on pourrait en trouver dans une station-service. Évocation particulièrement fidèle de l'expérience commerciale britannique, l'œuvre évoque bien davantage le parking d'une station-service sur la M25 que la ville d'Arles en 1888. Le choix de Banksy de parodier van Gogh, figure synonyme de passion artistique et d'authenticité, souligne l'ironie du marché de l'art actuel. Alors que le travail de van Gogh peinait à trouver sa place de son vivant, ses « Tournesols » ont plus tard atteint des millions, inspirant à Banksy l'estampe Morons, qui raille l'absurdité de la marchandisation du monde de l'art.

Sur « Le Bassin aux nymphéas » de Monet, Banksy ajoute des caddies de supermarché abandonnés et un cône de signalisation. Son « Show Me The Monet » revisite la célébration de la beauté naturelle de l'original par une observation de l'état actuel de l'environnement et une critique des forces qui en sont responsables, à savoir le capitalisme, généralement symbolisé chez Banksy par le motif du caddie.

(Pour un récapitulatif de toutes les expositions de Banksy depuis 2000, consultez notre article ici.)

Plus tard, en 2009, Banksy a dévoilé une série similaire intitulée « Vandalised Oils ». Réinterprétations contemporaines de peintures canoniques, les œuvres de cette série sont toutes imprégnées de l'esprit satirique et profondément caustique de l'artiste.

« Subject To Availability » est l'œuvre la plus estimée de la série. Elle s'inspire d'une peinture à l'huile de 1890 représentant le parc national du mont Rainier, dans l'État de Washington, aux États-Unis, réalisée par Albert Bierstadt, un artiste germano-américain célèbre pour ses paysages de l'Ouest américain et sa nature sauvage et grandiose.

La différence entre la version de Banksy et celle de Bierstadt ? Celle de Banksy comporte une note ironique : « Subject to availability for a limited period » (Sous réserve de disponibilité pour une période limitée).

Véritable clin d'œil aux effets dévastateurs du changement climatique, la peinture de Banksy ne se contente pas de jouer avec les classiques : elle tourne en dérision notre goût pour le calme et le beau, tout en soulignant notre inaction face à une menace existentielle que nous avons pourtant le pouvoir de prévenir.

Élément marquant de l'œuvre de Banksy, « Choose Your Weapon » est apparu pour la première fois sur les murs du Grange Pub à Bermondsey, dans le sud-est de Londres, en 2010. Le motif a par la suite été décliné en une série d'estampes originales par l'artiste, publiées par la maison d'édition aujourd'hui disparue, Pictures On Walls.

Mettant en scène une figure masquée et encapuchonnée — qui n'est pas sans rappeler celle qui lance des fleurs dans « Love Is In The Air (Flower Thrower) » — cette œuvre réutilise une icône célèbre, traditionnellement associée à un autre pilier du street art : le héros revendiqué de Banksy, Keith Haring.

Il s'agit ici du motif du « Barking Dog » de Haring, apparu initialement dans ses célèbres dessins du métro de New York. Dans la composition de Banksy, le chien de Haring est représenté au bout d'une laisse tenue par le personnage masqué.

Le « Barking Dog » est souvent salué comme un appel symbolique aux armes ; exprimant urgence et danger, il souligne la nécessité de s'élever contre les injustices politiques et sociales. Ici, la convergence des messages de Haring et de Banksy suggère que ce dernier ne porte aucune critique envers cette figure canonique. Au contraire, s'il critique l'histoire de l'art, c'est pour pointer du doigt le refus de certains artistes de partager leurs idées et de collaborer à la réalisation du monde dont leurs œuvres rêvent. Trop souvent, lorsqu'un artiste est placé sur un piédestal par le marché de l'art, on suppose que s'il était prouvé qu'il a bénéficié d'une assistance dans son processus créatif, son intégrité artistique serait compromise : Banksy nous démontre qu'il n'en est rien.

Il est donc aisé de comprendre pourquoi Banksy a intégré ce motif à « Choose Your Weapon ». Profondément politiques, nombre d'œuvres de Banksy cherchent à sensibiliser le public à une série d'iniquités : du réchauffement climatique, des conflits internationaux et de la crise des réfugiés, au sous-financement du National Health Service britannique, aux violences policières, et bien plus encore. En s'inscrivant dans la lignée de ses prédécesseurs, Banksy défend l'idée de l'art comme un outil politique au service du bien.

Dans deux autres séries, Banksy fait directement référence au travail du pilier du Pop Art, Andy Warhol.

Dans « Kate Moss », il rend hommage aux œuvres séminales de Warhol, « Marilyn Monroe » et « Mao », créées pour la plupart durant les années 1960 et 1970.

Pour concevoir ces images, Warhol prenait une photographie avec un appareil Polaroid, qu'il reportait ensuite sur papier calque à l'aide d'un rétroprojecteur. Une fois l'image source réduite à une série de lignes simples et économiques, Warhol remplissait les espaces négatifs de l'œuvre par des aplats de couleurs vives et uniformes.

Ce processus quasi mécanisé, qui rappelle celui utilisé plus tard par Damien Hirst, permettait à Warhol de produire un nombre considérable d'images percutantes avec rapidité et efficacité. Cela vous dit quelque chose ? C’est un résultat assez proche de celui obtenu par la technique du pochoir, chère à Banksy.

En remplaçant une icône américaine par son équivalent britannique, Banksy dépeint Moss dans une variété de teintes, incluant abricot et or, bleu et gris, rose, rose foncé et violet, copiant la composition de Warhol presque à l'identique.

En mai 2022, l'une des peintures de la série Monroe de Warhol — « Shot Sage Blue Marilyn » (1964) — a été adjugée pour 195 millions de dollars (158 millions de livres sterling) chez Christie's New York, devenant ainsi l'œuvre d'art du XXe siècle la plus chère jamais vendue.

Dans « Soup Cans », Banksy multiplie les allusions visuelles à un autre des sujets les plus célèbres de Warhol : l'humble boîte de Campbell’s Soup.

En substituant ce symbole de l'Amérique ouvrière par son équivalent résolument britannique, Banksy tourne son regard vers la gamme Tesco Value — pilier de la grande distribution britannique dans les années 1990 et 2000, instantanément reconnaissable à son design épuré aux « lignes bleues ». L'approche de Banksy face aux œuvres canoniques de Warhol consiste à les actualiser dans un cadre de référence contemporain, tout en illustrant la manière dont la culture consumériste s'est préservée et adaptée au fil du temps.

En 2017, Banksy a réalisé une nouvelle fresque sur les murs du Barbican Centre de Londres pour marquer l’ouverture d’une exposition consacrée aux œuvres de l’artiste américain Jean-Michel Basquiat.

Empruntant à la toile de 1982 de Basquiat, « Boy and Dog in a Johnnypump », l’œuvre représente un personnage faisant l’objet d’un contrôle au corps par deux policiers zélés. Lorsqu’il a publié cette réalisation sur son compte Instagram, Banksy l’a accompagnée de la légende suivante : « Portrait de Basquiat accueilli par la police métropolitaine — une collaboration (non officielle) avec la nouvelle exposition Basquiat ».

Alliant le style visuel unique et esquissé de Basquiat à sa propre technique du pochoir, Banksy manifeste son admiration pour cet éminent artiste américain, décédé d’une overdose d’héroïne en 1988 à l’âge de 27 ans seulement.

Mêlant art savant et art populaire, et faisant référence aux origines communes des deux artistes en tant que graffeurs, la peinture constitue une critique acerbe des pouvoirs de contrôle et de fouille de la police. En plaçant le vénéré Basquiat dans la position d’un suspect, Banksy appelle également à une prise de conscience renouvelée des ravages causés par le racisme structurel.

La fresque sans titre était accompagnée d’une autre œuvre de plus petite échelle représentant une file d’attente pour une grande roue, agrémentée de couronnes à trois pointes : des motifs fondamentaux dans l’ensemble de l’œuvre de Basquiat. Comme le souligne avec force cette seconde pièce, Banksy s’inscrit dans la lignée de Basquiat en guise d’hommage et se révèle être un admirateur évident. En produisant une contribution « non officielle » à l’exposition du Barbican, institution incontestablement canonique, Banksy espère également nous rappeler les racines tout aussi officieuses et marginales du travail de Basquiat.

Parodie du tableau « Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand Saint-Bernard » (1801-1805), peint par le maître néoclassique Jacques-Louis David (maître du célèbre Jean-Auguste-Dominique Ingres, source d’inspiration majeure de la série de portraits à la chambre claire de David Hockney), cette œuvre est apparue à Paris, près du bassin de la Villette dans le 19e arrondissement.

Sur le dos d’un majestueux cheval se dresse Napoléon qui, au lieu de son traditionnel bicorne, est recouvert d’un drap rouge. Entravant sa vision, ce morceau de tissu semble faire référence à une loi française controversée, votée en 2011, interdisant la dissimulation du visage dans l’espace public, notamment par le port du niqab ou de la burqa.

La peinture originale de David — que l’œuvre au pochoir de Banksy parodie — sert de métaphore visuelle à la puissance militaire et au progrès de la France ; Napoléon y désigne l’horizon de l’index, au-delà des Alpes.

À l’inverse, la figure représentée par Banksy est incapable d’avancer, sa trajectoire étant occultée. Allégorie picturale du XXIe siècle, l’œuvre peut être interprétée comme une critique des politiques peu progressistes menées en France ces dernières années, ainsi que de la fâcheuse tendance des nations européennes à glorifier leur passé.

Qu’il en ait conscience ou non, l’œuvre de Banksy multiplie les références à une figure incontournable de l’establishment artistique non traditionnel : Xavier Prou, plus connu sous le nom de Blek le Rat.

Surnommé le « père du pochoir urbain », Blek le Rat figure parmi les premiers artistes de rue reconnus à Paris. Actif depuis 1981, il est surtout célèbre pour ses rats pochoirs disséminés dans la capitale française. Bien qu’elles portent indéniablement les marques de fabrique de Banksy, les œuvres « Love Rat », « Radar Rat »et « Because I’m Worthless »sont sans doute redevables à l’approche de Blek.

Malgré leurs similitudes, il n’existe aucune animosité entre les deux artistes ; ils ont même exprimé leur souhait de collaborer sur des œuvres réalisées au pochoir à l’avenir.

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