Banksy face à l'histoire de l'art

Réalisant des prix de vente records lorsque ses œuvres passent sous le marteau, certains diraient que l'artiste de rue acclamé, originaire de Bristol, fait peut-être désormais partie du même establishment historique de l'art qu'il aime tant critiquer — bien que nous soyons sûrs qu'il n'aimerait pas l'admettre.

Le défi le plus fréquent que Banksy lance au canon est l'accusation d'élitisme et de conformité aux convenances du goût bourgeois. Il s'arme contre l'art très conventionnel, comme un paysage pastoral ou une peinture religieuse, qui, contrairement à ses propres œuvres, renforce plutôt que ne subvertit les idéaux hégémoniques.

Malgré cela, lorsqu'il choisit des artistes pour ses réinterprétations de peintures à l'huile canoniques, Banksy sélectionne souvent des artistes qui avaient, au moins de leur vivant, un statut d'outsider : Monet était autrefois considéré comme trop radical, van Gogh a été institutionnalisé, Basquiat était largement méconnu en tant qu'homme noir et gay qui est finalement mort d'une overdose accidentelle. Il est fort probable que ce soit parce que Banksy est plus critique envers les mondes de l'art commercial et critique qui ont assimilé rétrospectivement ces artistes dans le canon, supprimant leurs différences, et encaissant les vastes profits que les artistes n'ont jamais vus. C'est un sentiment que Banksy a souvent exprimé, que ce soit dans son estampe, Morons, ou en publiant la citation suivante du critique d'art, Robert Hughes, sur son Instagram :

Dans cet article, nous examinons de plus près les références clés de Banksy aux œuvres canoniques, ainsi que sa manière de perturber les pratiques et les histoires de l'art traditionnelles.

En octobre 2005, Banksy a inauguré son exposition Crude Oils dans une boutique de Westbourne Grove, dans l'ouest de Londres. Pour l'occasion, ce petit espace avait été rempli de 200 rats noirs vivants, ce qui a provoqué la visite des autorités sanitaires locales.

Au-delà des rongeurs, les œuvres présentées étaient 20 réinterprétations de tableaux célèbres de grands maîtres canoniques, dont Warhol, Monet, Hopper et van Gogh. Beaucoup de ces visions des œuvres canoniques ébranlaient l'idéal esthétique conventionnel de l'art en tant que beau : que Monet et van Gogh aient souhaité que leurs œuvres ne soient jugées que sur leur beauté ou non, les « corrections » que Banksy apporte à ces peintures suggèrent qu'il estime que l'art doit plutôt être valorisé pour son lien avec la réalité et la pertinence de son commentaire politique.

Parmi ces œuvres « banksysées », figuraient deux des plus célèbres de l'artiste : Sunflowers From Petrol Station — l'œuvre la plus chère de Banksy en 2021, juste derrière deux autres — et Show Me The Monet, vendue près de 7,6 millions de livres sterling en 2020.

Des deux, Sunflowers From Petrol Station est particulièrement typique de Banksy. Cette pièce est une pierre angulaire de l'ensemble des œuvres peintes à la main de Banksy, une rareté au milieu de ses créations centrées sur le graffiti. Son humour et son pathos en font un emblème de ses préoccupations générales : la pollution, l'élitisme de l'art institutionnalisé et les hypocrisies du consumérisme. Retirant toute trace de charme bucolique des tournesols de van Gogh, Banksy peint un bouquet négligé et flétri, que l'on s'attendrait plutôt à trouver dans une station-service. Véritable évocation de l'expérience de la grande distribution britannique, l'œuvre rappelle bien plus une station-service sur la M25 qu'Arles en 1888. Le choix de Banksy de parodier van Gogh, une figure synonyme de passion artistique et d'authenticité, souligne l'ironie du marché de l'art actuel. Alors que l'œuvre de van Gogh peinait à être reconnue de son vivant, ses Sunflowers ont plus tard atteint des millions, inspirant l'estampe de Banksy Morons, qui se moque de l'absurdité de la marchandisation du monde de l'art.

À Bridge Over A Pond Of Water Lillies de Monet, Banksy ajoute un amas de caddies et un cône de signalisation. Son Show Me the Monet remplace la célébration initiale de la beauté naturelle par une observation de l'état actuel de l'environnement et une critique des forces qui en sont responsables — à savoir le capitalisme, comme le signale habituellement le motif du caddie chez Banksy.

(Pour un aperçu de toutes les expositions de Banksy depuis 2000, consultez notre article ici.)

Plus tard, en 2009, Banksy a dévoilé une série similaire intitulée Vandalised Oils. Réinterprétations contemporaines de tableaux canoniques, les œuvres de cette série arborent toutes la touche satirique et profondément moqueuse de Banksy.

Subject To Availability est l'œuvre la plus appréciée de la série. Elle s'inspire d'une peinture à l'huile de 1890 représentant le parc national du Mont Rainier, dans l'État de Washington (États-Unis), réalisée par Albert Bierstadt — un artiste germano-américain qui peignait principalement l'Ouest américain et sa beauté « sauvage » et vaste.

Quelle est la différence entre l'œuvre de Banksy et celle de Bierstadt ? La version de Banksy comporte une note de bas de page pleine d'esprit : « Disponible pour une durée limitée ».

Clin d'œil évident aux impacts dévastateurs du changement climatique, le tableau de Banksy ne se contente pas de jouer avec le canon : il tourne en ridicule notre goût pour ce qui est placide et beau, ainsi que notre inaction face à une menace existentielle que nous avons le pouvoir d'éviter.

Une caractéristique marquante de l'œuvre de Banksy, Choose Your Weapon, est apparue pour la première fois sur les murs du pub The Grange à Bermondsey, dans le sud-est de Londres, en 2010. Elle a depuis été déclinée en plusieurs estampes originales de l'artiste, publiées par la maison d'édition aujourd'hui disparue, Pictures On Walls.

Présentant une silhouette cagoulée et masquée — non sans rappeler celle qui lance des fleurs dans Love Is In The Air (Flower Thrower) — cette œuvre emprunte une icône bien connue généralement associée à un autre artiste de rue canonique : le héros autoproclamé de Banksy, Keith Haring.

Cette icône est le motif Barking Dog de Haring, qui fut présenté pour la première fois dans les célèbres dessins du métro new-yorkais de l'artiste. Dans la composition de Banksy, le chien de Haring est montré au bout d'une laisse tenue par la silhouette masquée.

Le Barking Dog a été salué comme un appel aux armes symbolique ; exprimant l'urgence et le danger, il communique la nécessité de dénoncer les injustices politiques et sociales. Dans ce cas précis, l'accord entre le message de Haring et celui de Banksy suggère que ce dernier n'est pas critique envers cette figure canonique. Au contraire, si Banksy est parfois critique de l'histoire de l'art, il critique ici l'aversion de certains artistes à partager leurs idées et à collaborer pour bâtir le monde dont leur art rêve. Bien trop souvent, lorsqu'un artiste est placé sur un piédestal par le monde de l'art, on suppose que s'il était prouvé qu'il a été aidé dans son processus artistique, son intégrité le serait aussi : Banksy nous montre que ce n'est pas le cas.

Il n'est donc pas trop difficile de comprendre pourquoi Banksy a intégré ce motif dans Choose Your Weapon. Très politiques, nombre d'œuvres de Banksy ont cherché à sensibiliser à un éventail d'injustices : du réchauffement climatique aux conflits internationaux et à la crise des réfugiés, en passant par le sous-financement du Service national de santé britannique (underfunding of the UK’s National Health Service), les violences policières (police violence) et bien d'autres encore. En s'alignant sur les artistes qui l'ont précédé, Banksy défend l'idée de l'art comme un outil politique au service du bien.

Dans deux autres séries, Banksy fait directement référence aux œuvres du roi du Pop Art, Andy Warhol.

Dans Kate Moss, il fait un clin d’œil aux toiles emblématiques de Warhol, Marilyn Monroe et Mao, créées majoritairement durant les années 60 et 70.

Pour réaliser ces images, Warhol utilisait une photographie prise avec un appareil Polaroid, qu'il reportait ensuite sur du papier à dessin à l'aide d'un rétroprojecteur. L'image source étant transformée en une variété de lignes simples et épurées, Warhol remplissait l'espace négatif de l'œuvre par des aplats de couleurs franches et uniformes.

Ce procédé presque mécanisé, qui rappelle celui qu'utilisera plus tard Damien Hirst, permettait à Warhol de créer rapidement et efficacement un grand nombre d'images marquantes. Cela vous dit quelque chose ? C'est un résultat assez similaire à celui obtenu par le pochoir tant apprécié de Banksy.

Remplaçant une icône américaine par son équivalent britannique, Banksy dépeint Moss dans une palette de teintes variées, comprenant abricot et or, bleu et gris, rose, rose foncé, et violet, copiant la composition de Warhol presque à l'identique.

En mai 2022, l'une des toiles Monroe de Warhol — Shot Sage Blue Marilyn (1964) — s'est vendue 195 millions de dollars américains (158 millions de livres sterling) chez Christie's New York, devenant ainsi l'œuvre d'art du XXe siècle la plus chère jamais vendue.

Dans Soup Cans, Banksy fait des allusions visuelles à un autre des sujets les plus célèbres de Warhol : l'humble boîte de soupe Campbell’s Soup.

Substituant ce symbole de l'Amérique populaire par un équivalent résolument britannique, Banksy concentre son attention sur la gamme Tesco Value — un pilier de la scène des supermarchés britanniques dans les années 90 et 2000, immédiatement reconnaissable à son design sobre aux « lignes bleues ». L'approche de Banksy face aux œuvres canoniques de Warhol consiste à les actualiser dans un cadre de référence contemporain, et à montrer comment la culture consumériste s'est perpétuée et adaptée à travers le temps.

En 2017, Banksy a réalisé un nouveau dessin sur les murs du Barbican Centre à Londres pour marquer l'ouverture d'une exposition d'œuvres de l'artiste américain, Jean-Michel Basquiat.

S'inspirant du tableau de Basquiat datant de 1982, Boy And Dog In A Johnnypump, l'œuvre dépeint un individu fouillé par deux policiers trop zélés. Lorsqu'il a été publié sur le compte Instagram de Banksy, l'œuvre était légendée : « Portrait de Basquiat accueilli par la police métropolitaine — une collaboration (officieuse) avec la nouvelle exposition Basquiat ».

Mêlant le style visuel unique, proche de l'esquisse, de Basquiat à son approche propre basée sur le pochoir, Banksy témoigne de son admiration pour cet éminent artiste américain, décédé d'une overdose d'héroïne en 1988 à seulement 27 ans.

Fusionnant l'art « noble » et l'art « populaire », et faisant référence aux origines communes des deux artistes en tant que graffeurs modestes, cette peinture est une critique acerbe des pouvoirs de contrôle et de fouille policiers (« Stop And Search »). En plaçant le vénéré Basquiat dans la position d'un suspect, Banksy appelle également à renouveler l'attention portée aux dommages considérables causés par le racisme structurel.

Cette murale intitulée Untitled était accompagnée d'une autre œuvre à plus petite échelle représentant une file d'attente pour une grande roue ornée de couronnes à trois pointes : des motifs importants dans l'ensemble de l'œuvre de Basquiat. Comme cela est clairement apparent avec cette seconde œuvre, Banksy rend hommage à Basquiat et est manifestement un admirateur. En réalisant une contribution « officieuse » à l'exposition au Barbican, qui est sans aucun doute une institution canonique, Banksy espère également nous rappeler les racines tout aussi officieuses et non canoniques de l'œuvre de Basquiat.

Cette œuvre est une parodie du tableau Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1801-1805), peint par le maître néoclassique Jacques-Louis David, (le maître du célèbre Jean-Auguste-Dominique Ingres — source d'inspiration principale pour la série de portraits à la camera lucida de David Hockney). Cette pièce est apparue à Paris, près du Bassin de la Villette, dans le 19e arrondissement.

Sur un cheval majestueux trône la figure de Napoléon. Cependant, au lieu de porter son habituel chapeau bicorne, il est recouvert d'un drapé rouge. Ce tissu, qui lui obstrue la vue, semble faire référence à une loi française controversée, adoptée en 2011, interdisant le port de tout couvre-chef dissimulant le visage (y compris le niqab et la burqa) dans les lieux publics.

Le tableau original de David — parodié par cette œuvre au pochoir de Banksy — est une métaphore visuelle de la puissance militaire et du progrès français ; Napoléon y pointe l'index en signe d'avancée.

En revanche, le personnage du tableau de Banksy est impuissant à avancer, son chemin étant caché. Véritable peinture allégorique du XXIe siècle, on peut y voir une critique des politiques françaises peu progressistes de ces dernières années, ainsi que de la fâcheuse tendance des nations européennes à glorifier leur passé.

Que ce soit consciemment ou non, les œuvres de Banksy font également de nombreuses références à une figure clé du milieu de l'art non traditionnel : Xavier Prou, plus connu sous le nom de Blek le Rat.

Surnommé le « père du graffiti au pochoir », Blek le Rat est l'un des premiers artistes de rue connus à Paris. Actif depuis 1981, il est surtout célèbre pour avoir apposé des pochoirs de rats dans toute la capitale française. Bien qu'ils portent certainement toutes les caractéristiques des œuvres de Banksy, Love Rat, Radar Rat,et Because I’m Worthlesssont sans doute redevables de l'approche de Blek.

Malgré leurs similitudes, il n'y a cependant aucune animosité entre les deux hommes ; ils ont même exprimé leur souhait de collaborer à l'avenir sur des œuvres réalisées au pochoir.

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